My Nineties Were Better Than Your Nineties - #144: June Of 44 - Tropics And Meridians (1996)

JUNE OF 44 - TROPICS AND MERIDIANS

"Nobody asked, America delivered" (Garron Noone)

Die sich ab der Mitte der neunziger Jahre entwickelnde Noise- und Postrockszene mit dem Epizentrum im US-amerikanischen Louisville, Kentucky hat einen ganz besonderen Platz in meinem Herzen, selbst wenn die Verbindung erst ein paar Jahre nach dem Urknall zustande kam und die meisten Pioniere zu jenem Zeitpunkt das Rampenlicht schon wieder verlassen hatten. Mein Einstiegspunkt hieß auch nicht Louisville, sondern Chicago: The Sea And Cake, Trans Am, Tortoise und das legendäre Label Thrill Jockey öffneten mir knapp zehn Jahre später die Tür für diesen Sound, und weil all das für mich so aufregend und kopfverdrehend war, erweiterte sich das frisch zu beackernde Feld schnell in Richtung Kanada (Band: Godspeed You! Black Emperor, Label: Constellation Records) und eben Kentucky mit Bands wie Rodan und Slint. Diesem Ökosystem entsprangen auch June Of 44, die sich 1994 mit Musikern von Lungfish, Hoover, Rex und eben Rodan neu formierten. 

Ich schrieb im Rahmen der Vinyl-Reissues ihrer ersten beiden Alben "Engine Takes To The Water" (1995) und das ein Jahr später erschienene "Tropics And Meridians" schonmal davon, dass es ganz bestimmt kein schwaches June Of 44-Album gibt, aber vor allem jene zwei Werke von herausragender Qualität sind.  

In meinem ersten Review zu "Tropics And Meridians" aus dem Jahr 2012 heißt es:

"Es ist wie fünfunddreißig Jahre altes Gebäck, wie von Würmern, Käfern und Raupen durchbohrtes Holz, wie frisch gefallener Schnee, wie naive Malerei in Grau. Wer die Schritte leise zelebriert und die Pinselstriche verfolgt, der hört das Knarzen und das Kratzen. Das tumbe Ächzen unter dem Druck der eigenen Existenz im Angesicht der öden Leere, zerfasert und spröde, brechend und spleißend. Ein Königreich für mehr Luft und mehr Raum."

Und June Of 44 lieferten Luft und Raum. Erstens muss hier die Produktion von Bob Weston erwähnt werden, diesem Underground-Heiligen, der nicht nur mit Steve Albini die Noiserockband Shellac gründete, sondern später auch mit ihm an der Produktion von Nirvanas "In Utero" zusammenarbeitete. Und wenn man es nicht besser wüsste, könnte "Tropics And Meridians" vor allem hinsichtlich des so unmittelbaren und räumlichen Schlagzeugsounds locker als eine Arbeit von Albini durchgehen. Zweitens sind es die expansiven Songs des Quartetts, die ihren Kosmos so weit aufziehen, bis es im letzten freien Atom dann plötzlich doch wieder klaustrophobisch wird:

"Es ist einerseits die Dringlichkeit, andererseits die Unschuld in dieser Musik, die durch zerklüftetes Emotionsgebirge gleiten kann wie ein heißes Messer durch Butter. Die Band zieht keinen Pathos aus der verschrobenen und manchmal etwas theatralisch wirkenden Ästhetik, stattdessen pendelt sie manisch zwischen Rückzug und Attacke, zwischen klarer Linie und porösem Zaudern - und alle Räume werden ohne Rücksicht auf Verluste eingenommen."

Was für mich mit dem Siegeszug des Grunge begann - und ich rede hier in erster Linie von jenem Stil, der unter dem Radar solcher Pop-Produktionen von "Nevermind", "Ten" und "Dirt" existierte, also dem ruppigen, assigen, verschwitzten Garagenrock, für den Authentizität und Wahrhaftigkeit so selbstverständlich wie alternativlos waren - setzte sich mit dieser Spielart des Postrocks fort. Es wird nicht viel echter, reiner, wahrer als "Spiderland", "Rusty", "Engine Takes To The Water" und eben "Tropics And Meridians". June Of 44 sind zügellos, grüblerisch, künstlerisch, wild, introspektiv, intellektuell. In dieser Kombination vielleicht das beste, was Rockmusik werden kann. 

Vinyl und so: Nachdem die Erstpressung in den nuller und zehner Jahren zumindest in Europa rar und daher auch teuer war, hat der Repress aus dem Jahr 2020 offensichtlich zu einer Veränderung geführt: sowohl das Original als auch den Repress gibt's hierzulande mittlerweile für um die 25 bis 30 Euro. Aufgepasst bei der 1996er Version, der damals eine Sammlung von separat verpackten Briefmarken beilag: einige Second Hand-Anbieter schweigen sich darüber aus, ob die Briefmarken noch vollzählig (oder überhaupt) enthalten sind. Der 2020er Repress auf farbigem Vinyl kommt ohne Briefmarken aus, bekam als Ersatz allerdings ein Riesenposter als Beilage. 

Weiterhören: "Engine Takes To The Water" (1995), "Four Great Points" (1998), "Live In Tokyo" (2026)

Erschienen auf Quarterstick Records, 1996. 

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #145: Nymphs - Nymphs (1991)

NYMPHS - NYMPHS

In Erinnerung an Inger Lorre. (1963 - 2024)

“It’s a man’s world and, every day, I get reminded of the fact. I’ve had to fight the record company every step of the way. I’ve had to constantly remind them that I’m an artist, not a blow-up doll. They’re always handing me this crap that we could sell a million right off the bat if we had done this and if I posed like that or if I had worn that.” (Inger Lorre)

Es ranken sich so viele wüste Mythen um diese legendäre Band, dass ich gar nicht weiß, mit welcher Geschichte ich zuerst beginnen soll. Und als wäre das nicht schon Herausforderung genug, sollten im besten Fall noch ein paar Worte über die Musik ihres Debuts verloren werden; wenn ich auf den Spuren Roger Willemsens wandeln würde, für den die Herstellung von Präzision beim Schreiben das vornehmste Ziel war, gäbe es Tage, an denen ich es einfacher fände, mit ebenjener Präzision einen technischen Bauplan für ein Atomkraftwerk zu entwickeln, als über "Nymphs" zu schreiben. Ich kann an die Sache freilich immer oberflächlich rangehen, aber hey - Wo bleibt da der Spaß? Und erst recht die Verzweiflung?

Die Nymphs wurden 1985 von Sängerin Inger Lorre und Bobby Belltower in New Jersey gegründet. Nach ihrem Umzug nach Los Angeles, der außerdem auch den Beginn von Lorres Heroinsucht markierte, und einer Reihe von überaus wilden Liveauftritten, die der Band einen so aufregenden Buzz wie zweifelhaften Ruf nebst Auftrittsverbote einbrachten, gewann das Majorlabel Geffen Records 1989 den Bieterwettbewerb um die Nymphs und legte zunächst 900000 Dollar für die Vertragsunterschrift und später eine glatte Million für die Produktion des Debutalbums auf den Tisch. Dass ihre Band überhaupt auf einem Majorlabel landete, war für Lorre stets ein Mysterium: 

“I was surprised that a band like the Nymphs got signed to a major label. It was hilarious considering that all of our songs have one or two chords and were all about drugs and suicide. At first, Tom Zutaut [A&R-Manager, Geffen] expected me to fire my whole band. Now, he’s apologizing. I want this to be a band, not me and a bunch of session players as was suggested so many times at the beginning."

"Nymphs" wurde 1989/1990 zusammen mit Produzent Bill Price aufgenommen, allerdings nicht ohne Probleme. Geffen's Tom Zutaut war so beeindruckt von Price' Arbeiten mit den Nymphs, dass er nicht nur zunächst Tapes davon an das Lager von Guns 'N Roses weiterreichte, sondern Price schließlich von der Nymphs-Produktion abzog und ihn stattdessen den Mix der beiden "Use Your Illusion"-Alben anvertraute. Die Nymphs wurden damit zum Nebenprojekt. Das ließ Inger Lorre nicht unbeantwortet:

“When I found out about the lies that Tom Zutaut had told me, I drank a six-pack before going into his office with Bryn and David from our management company, then I said – "Tom, can I show you an analogy?" He said – "Yeah." I made him sit 10 feet away from his desk. I took five poppies and put them on his desk. I said – This is my band. I crushed them all together and I said You see this? People are flesh and bone just like flowers are made up of atoms, but you can just crush them. I took all the flowers and put them in a pile. I just lifted up my dress, and I was wearing these crotchless fishnet stockings. I said – Tom, you’re fucking us in the back and pissing on our souls. So I pissed on the flowers, which ran off the desk into this big puddle."

Als "Nymphs" endlich im Oktober 1991 erschien, wurde es vom Hype um Metallicas schwarzem Album, den beiden "Use Your Illusion"-Alben, Soundgardens "Badmotorfinger", "Blood Sugar Sex Magik" der Red Hot Chili Peppers und natürlich Nirvanas "Nevermind" erbarmungslos weggespült. In den ersten sechs Monaten nach der Veröffentlichung verkaufte sich das Debut trotz guter Kritiken nur 40000 Mal. Die Nymphs lösten sich Ende 1992 auf, nachdem Lorre zunächst ihrem damaligen Freund Rodney Eastman während eines Konzerts in Anaheim, Kalifornien auf der Bühne einen Blowjob gab und sich kurz darauf weigerte, bei einem Konzert in Florida im Vorprogramm von Peter Murphy auf die Bühne zu gehen. Lorre wurde gefeuert, was auch das Ende der Nymphs besiegelte. Man käme nicht auf Idee, die Karriere der Nymphs mit all den Exzessen, Besetzungswechseln und einer zwischen Genie und Wahnsinn herumflippernden Frontfrau einen Spaziergang zu nennen, aber die Situation geriet insbesondere gegen Ende ihres Bestehens ganz offensichtlich immer weiter außer Kontrolle.

So blieb "Nymphs" das einzige Album dieser fantastischen Band. Am besten traf es vielleicht Mike Gitter im englischen Kerrang-Magazin, der die Musik der Nymphs als "Black Sabbath jamming with Siouxie Sioux and the Banshees" beschrieb. Ein Album voller labyrinthischer Zwischenwelten, falscher Fährten, Wut und Verzweiflung. Dabei taucht so mancher Genreverweis nur in Spurenelementen auf und wird dennoch wie von Geisterhand zur bestimmenden Identität; in erster Linie wird's eher die blanke Hilflosigkeit gewesen sein, irgendeine Schublade für diesen so besonderen Sound zu finden. Für Allmusic's Brian Flota war "Nymphs" beispielsweise das letzte echte gute Glamrock-Album, andere versuchten sich mit Grunge, Postpunk und Gothic Rock weiterzuhelfen. Vielleicht ergeben auch die manchmal ins Spiel gebrachten Parallelen zu den ersten beiden Warrior Soul-Alben (für die im Prinzip die ganze eben gemachte Genre-Aufzählung auch stimmig wäre) einen Sinn. Es ist immer verlockend, bei solch abenteuerlicher, kaum akkurat zu dechiffrierender Musik davon zu schreiben, dass die Zeit einfach noch nicht reif gewesen wäre, um damit den ausgebliebenen Erfolg zu rechtfertigen - das klingt bei aller Verkürzung immer gut, weil es sich so anfühlt, als hätte man tatsächlich eine Ahnung und nicht nur einen Hang zur Überheblichkeit. Im Falle der "Nymphs" und im Kontext der sich zum Zeitpunkt der (verspäteten) Veröffentlichung so gravierend verändernden Musik- und Kulturlandschaft neige ich allerdings eher zu einem "sie waren vielleicht ein Jahr zu spät dran" und verweise außerdem auf "Facelift" von Alice In Chains und Mother Love Bones "Apple", die beide im Jahr 1990 erschienen und auf denen sich gleichfalls eine markante Glam-Note finden ließ. Andererseits wäre es selbst dann immer noch zu bezweifeln, ob dieses auch textlich so abgründige Album der Nymphs über ertrinkende Achtjährige ("The River"), Liebesbeziehungen von Minderjährigen mit Serienmördern ("The Highway"), Depressionen, Selbstmordgedanken und die zu jener Zeit sicherlich noch stärker als heute ausgeprägte Misogynie angesichts einer unberechenbaren Frontfrau zu einem größeren Erfolg geführt hätten. Die Nymphs waren ganz bestimmt keine einfache Band, keine stabile Band. Sie existierten allerdings auch nicht in einfachen, stabilen Zeiten. 

Inger Lorre arbeitete nach dem Ende der Nymphs noch (unter anderem) mit Jeff Buckley zusammen, der sie mal als "patron saint of fucked over musicians" bezeichnete. Das Ergebnis dieser Kollaboration ist auf seinem posthum erschienenen Album "Sketches For My Sweetheart The Drunk" zu hören. Sie veröffentlichte 1999 das ebenfalls herausragende Soloalbum "Transcendental Medication". Inger Lorre starb im Oktober 2024 an einer Krebserkrankung. 

Weiterhören: Inger Lorre - "Transcendental Medication" (1999).

Vinyl und so: Für die Erstpressung in gutem Zustand bezahlt man mittlerweile um die 45 Euro. Im Jahr 2016 wurde das Album von Rock Candy auf CD (mit einem Remastering) neu aufgelegt. 

Sonst noch was?: Iggy Pop singt auf dem Song "Supersonic" die Backing Vocals.

Imitating Angels

 

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Sad And Damned

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Special Bonus-Bonbon: Nymphs Live in San Francisco

 

Erschienen auf Geffen Records, 1991.

 

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #146: The Cardigans - Gran Turismo (1998)

THE CARDIGANS - GRAN TURISMO

"The reality is invented for you by people who choreograph it. There's gotta be an office in Washington at some place where a bunch of people you never heard of choreograph reality. It's not just what the next photo-op is gonna be. It's what is the interpretation of a given international event. And this has to be generally dispensed through the media. With no questions asked." (Frank Zappa)

Um der Wahrheit die Ehre zu geben, werde ich gleich zu Beginn darauf hinweisen, dass der Einzug der Cardigans in beide meiner Herzkammern in erster Linie der Herzallerliebsten zu verdanken ist, die mir recht zügig nach unserem Kennenlernen nahelegte, mich mit der Option auseinanderzusetzen, mein Leben, auch das musikalische, künftig also nicht nur mit ihr, sondern auch mit der Musik fünf schwedischer Musiker*innen zu teilen. Es war das damals gerade aktuelle Album "Gran Turismo", das vor allem in der ersten Phase jenes Zusammenseins zu Beginn des Jahres 2000 in schwerer Rotation war und einen bleibenden Eindruck hinterließ. Es stehen berechtigte Zweifel im Raum, ob ich ein gutes Jahr früher und ohne Alinas Zuspruch schon bereit für diese Musik gewesen wäre, und ich bin zur Veranschaulichung schon wieder kurz davor, meine schlimmsten Verwirrtheitszustände jener Zeit in aller Öffentlichkeit auszubreiten. Lassen sie es mich so sagen: ich hielt es 1998 für eine gute Idee, eine Autogrammstunde von Manowar - die Band, nicht die Qualle - zu besuchen und den lendenbeschurzten Intelligenzdetonationen eine Bootleg-CD zum Unterschreiben auf den Tisch zu legen. Alles an diesem Satz macht intellektuell impotent. 

Andererseits hätte es selbst für den delirierenden Kuttel-, quatsch: Kutten-Flori der späten neunziger Jahre kein besseres Einstiegsalbum als "Gran Turismo" geben können. Das Quintett aus dem schwedischen Jönköping machte stilistisch für ihr viertes Werk einen großen Sprung. Der freundliche, etwas süßliche, gitarrenorientierte Indiepop ihrer Anfangszeit bekam auf "Gran Turismo" ein mutiges Elektronik-Upgrade verpasst, zusammen mit einem deutlich wahrnehmbaren Drang, das Licht zu dimmen. Schon der ungewöhnliche Einstieg "Paralyzed" überrascht nach balladeskem Beginn mit knarzigen Beats und Bässen, gründlicher Low-Fi-Ästhetik und schleifenden Gitarrenfeedbacks und klopft damit immerhin zaghaft an die Tür jener grüblerischen Trip-Hop-Buden, in denen Lamb oder Portishead schon seit ein paar Jahren Kette rauchen. Damit war nach den leichtfüßigen Alben wie "Life" oder "First Band On The Moon" nicht zu rechnen. Wohin die Reise mit "Gran Turismo" aber tatsächlich geht, bleibt mit "Paralyzed" noch offen. Dafür sorgt alleine Sängerin Nina Persson, die erstens ein exzellentes Melodiegespür mitbringt und zweitens, und das ist überhaupt nicht despektierlich gemeint, weder eine Beth Gibbons ist noch sein will. Persson singt hier mit typischer reservierter 90er Coolness, beinahe beiläufig, formal, beobachtend - und versteht es dennoch keinerlei Distanz aufkommen zu lassen. Ich weiß nicht, welcher Teil meines Reptiliengehirns damit angesteuert wird, aber es bleibt ein bemerkenswerter Ansatz - der außerdem schon beim nächsten Song die anfängliche Irritation über die Ausrichtung auflöst. "Erase/Rewind" ist einer der beiden großen Hits von "Gran Turismo" und hisst unmissverständlich die in melancholisches Sepia getauchte Pop-Flagge - und wer möchte, findet unter der selbst unter heutigen Maßstäben noch erstaunlich knusprig wirkenden Produktion sogar ein paar Spurenelemente der großen wehmütigen Hits der 1980er Jahre in der Herznote. 

Die Cardigans bleiben auch im weiteren Verlauf von "Gran Turismo" bei dieser Strategie, mal etwas lebhafter wie in Hit Nummer 2 "My Favourite Game", textlich ein abgründiger Einblick in Abhängigkeitsverhältnisse toxischer Beziehungen, was immer noch zu einigen bemerkenswerten Dissonanzen mit dem beschwingten Upbeat-Charakter des Songs führen kann, mal zaubern sie ein elegisches Glow-Panorama wie in der Ballade "Higher", channeln in "Junk Of The Heart" Fleetwood Mac auf Ketamin und verlieren bei "Do You Believe", musikalisch ein kleiner Gruß aus Björks isländischer Walfettküche, jede Hoffnung: 

Do you really think

That love is gonna save the world?

Well, I don't think so

I just don't think so

"Gran Turismo" ist Sonnenuntergangs-Pop, im wörtlichen wie im übertragenen Sinne. Wenn schon das Licht ausgeht, ist's wenigstens schön warm. 

Vinyl und so: Die Erstpressung war ums Jahr 2008 herum noch für 20 Euro zu haben und kostete nur vier Jahre später schon supersahnige 300 Schleifen. Es ist wirklich völlig balla-balla - genauso wie die mittlerweile aufgerufenen Preise für die in kleiner Auflage produzierten ersten Reissues aus den Jahren 2000 und 2001. Band und Label ließen sich anschließend bis 2019 Zeit, um dem gesamten Backkatalog auf Vinyl zu veröffentlichen. Die Nachpressung von "Gran Turismo" klingt gut und ist schön gemacht und ist immer noch für um die 30 Euro zu bekommen. Kann man machen. Obacht jedoch mit "Super Extra Gravity", von der ich zwei Exemplare im Besitz hatte, die beide einen signifikanten Seitenschlag hatten (das heißt, die Rillen wurden nicht mittig auf die Scheibe gepresst) und leider retourniert werden mussten. Ebenso Obacht mit "Long Gone Before Daylight" - die war schon 2019 aus mir völlig rätselhaften Gründen einfach scheißteuer - und ist es leider immer noch.  

Weiterhören: "Long Gone Before Daylight" (2003), "Super Extra Gravity" (2005)

Erschienen auf Stockholm Records, 1998.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #147: Helmet - Betty (1994)

HELMET - BETTY

Now I'm not dead I'm breathing in

Now I'm not sad, imagine it

Now I'm not there I'm over here

Now you preach fear and I don't care

(Leatherface, "Nutcase")

Vielleicht ist die Wahl von "Betty" ein Poser-Pick. Wer mehr Punkte als Styler sammeln möchte, greift zum Vorgänger und Durchbruchsalbum "Meantime", und damit zu einem anerkannten Klassiker der 1990er Jahre. Echte Glaubwürdigkeit ist ja oft alles. Wer hingegen Spaß an einem Viertel Edgelord-Ruhm hat, wird das 1997er Werk "Aftertaste" als beste Option für eine Neunziger-Bestenliste nennen wollen. Und ich komme jetzt also mit "Betty" um die Ecke, ein auf den ersten Blick besonders sicheres Plätzchen, an dem ich praktisch keinen Gegenwind befürchten muss. Was indes jede dieser möglichen Alternativen vereint: sie wären irgendwie alle richtig. Helmet hatten mit ihren drei zwischen 1992 und 1997 veröffentlichten Alben einen echten Lauf. Günstiger hätte der Zeitgeist für diese Band gar nicht erwachen können. 

"Betty" war in meinem Sommer des Jahres 1994 überall. Wirklich: überall! Abseits der Musik hatte man mit der Covergestaltung, eine Fotografie von Dennis Hallinan aus dem Jahr 1965 mit dem überraschenden Titel “Young woman with basket of flowers” und dem Entschluss, das Album in farbigen Jewel Cases zu veröffentlichen - Neongelb in Europa und Blau in Amerika - einige ungewöhnliche, aber goldrichtige Entscheidungen getroffen, die dem Album umgehend zu mehr Aufmerksamkeit verhalfen. Biohazard machten mit ihrem Album "State Of The World Address" ein Jahr später etwas ähnliches, und egal, wie viele Jahre  all das nun schon zurückliegt: es ist mir nicht nur immer noch präsent, es ist bis heute absolut prägend für die damalige Zeit. "Betty" steht für Sommer, Aufbruch, Revolution, Zitroneneis, meine wöchentlichen Besuche im alten WOM im Frankfurter Hertie-Kaufhaus sowie in meinem zweiten Wohnzimmer, den Musikladen unweit der Zeil, wo die Werbematerialien, die Pappaufsteller und übergroßen Poster über den Release von "Betty" informierten. "Betty" steht fürs pausenlose Herumhüpfen beim "Idiot Ballroom" in der alten Batschkapp in unbeschwerten Sommernächten. Für's musikalische Fachsimpeln mit Schulfreunden bei Kaffee und Kippe in der Cafeteria. Für's kollektive Headbangen bei der Autofahrt zum Kneipenabend. Bon, das ist alles alter, sentimentaler Scheiß. Und wenn man sich vergegenwärtigt, was davon übrig geblieben ist, wird's dramatisch. Der WOM ist längst Geschichte, genauso wie der Musikladen, die Batschkapp ist mittlerweile in einer sterilen Allerweltshalle untergebracht, der Diskoabend "Idiot Ballroom" ist eingestellt und Zitroneneis mag ich auch nicht mehr. Von Aufbruch und Revolution fange ich erst gar nicht an. Von unserem Hitzschlagsommer besser auch nicht. 

"Betty" ist eines der charakteristischsten Alben der 90er Jahre. Page Hamiltons einzigartiges Präzisionsriffing und seine zwischen melodischem Klargesang und aggressiven Geschrei herumoszillierende Stimme in Verbindung mit John Staniers unerbittlich nach vorne marschierendem Groove am Schlagzeug machen den Großteil der Faszination Helmets aus, und ihre Lust an breitwandig inszenierten, disharmonischen Noiseflächen einerseits sowie den mit Hooklines voll beladenen Refrains andererseits, die stets clever das Dauerfeuer brechen und für mehr Dynamik sorgen sollten, sind die unwiderstehlichen Kirschen auf der Torte. Absolut niemand klang wie Helmet. Ein paar Jahre später jedoch ließen sich ihre Ideen im Zuge des Nu Metal-Booms plötzlich an jeder Straßenecke hören. Nicht, dass ich ihnen vorwerfen wollte, einer totalen Scheißband wie Limp Bizkit den Weg geebnet zu haben - ich nagel' ja auch nicht Mudhoney an die Wand, weil sie irgendwie und irgendwann mal Nickelback ermöglichten. Helmet hatten in ihrem durch strenge Disziplin geprägten Sound eine unkonventionelle Distinguiertheit, die es Hamilton außerdem erlaubte, sich in eine Art "No Bullshit"-Aura einzuhüllen. Keine Gimmicks, kein Gelaber, kein Lametta. "Muss ich etwa wie ein Penner rumlaufen, nur weil ich harte Musik mache?" fragte er mal einen Interviewer, nachdem jener Hamiltons vermeintlich konservative Klamottenwahl zur Disposition stellte. Nichts passte ins moderne Jahr 1994 besser als dieser Ansatz mit Entschlossenheit, Reduktion und schonungsloser Härte, notfalls auch gegen sich selbst. Nie war Auspeitschen schöner. Wir waren im Freudentaumel. 

Vinyl und so: Unter 100 Euro ist weder die über Amphetamine Reptile erschienene 10" noch die deutsche 12" Fassung von 1994 zu bekommen. 2014 wurden über Back On Black/Let Them Eat Vinyl die ersten Represses auf farbigem Vinyl veröffentlicht, allerdings gebe ich zu bedenken, dass Back On Black zwischen 2008 und mindestens 2012 mit riesigen Problemen bei der Qualitätskontrolle zu kämpfen hatten. Wer sich auf charmantere Weise von seinem Geld trennen möchte, hält Ausschau nach der zum dreißigjährigen Jubiläum erschienenen Doppel-LP über Interscope Records auf hellblauem Vinyl. Nachteil 1: man hat's unnötig auf eine Doppel-LP aufgeblasen und auf der C-Seite fünf Bonustracks untergebracht. Ein Etching auf der D-Seite komplettiert den Quatsch. Ich bin da Purist, ich will die Originalfassungen. Nachteil 2: der Spaß kostet mittlerweile auch schon um die 70 Euro. Vorteil: die Pressung klingt hervorragend und ja, ich sag's jetzt: sieht halt auch arschgut aus. Isso. Als Gesamtpaket ist das schon wirklich schön gemacht. 

 

Weiterhören: "Meantime" (1992), "Aftertaste" (1997), "Size Matters" (2004; unterschätzt!)

Erschienen auf Interscope Records, 1994.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #148: Sigur Rós - Ágætis Byrjun (1999)

SIGUR RÓS - ÁGÆTIS BYRJUN

"Thank God that we didn't die young" (Kevin Morby)

Ich höre "Ágætis Byrjun" heute zum ersten Mal seit über 24 Jahren. Und ich tu's mit großem Widerwillen. Denn eigentlich hatte ich "Ágætis Byrjun" aus meinem Leben verbannt und mit der Entscheidung auch irgendwann meinen Frieden gemacht. Ich habe nichts gegen Sigur Rós, gar nichts.  Ich bin für Sie sogar mal nach Hamburg gefahren, um sie live bewundern zu können, und bis zur Mitte der 2000er Jahre war es völlig selbstverständlich, ihre Platten nicht nur zu kaufen, sondern sie auch noch zu hören. Womit sich nun aber erst recht die Frage stellt: warum taucht eine Platte, die ich seit fast einem Vierteljahrhundert (uff!) nicht hören wollte, in meiner Bestenliste der Neunziger auf? Das klingt ja absurd. Als ob nicht noch locker 50 Alben Schlange stehen würden, um in meine Hall Of Fame zu rutschen - und dann schreibe ich stattdessen lieber über ein vermeintliches Album Non Grata? Zunächst mal: von "lieber" kann hier nicht die Rede sein. Tatsächlich würde ich lieber reich bebilderte Aufsätze über eitrige Geschlechtskrankheiten oder über die Vorzüge eines Atomkriegs schreiben, ganz ehrlich. 

Um sogleich den naheliegendsten Gedanken zur möglichen Begründung zu versenken, hier ginge es dann ja sicherlich um eine Art objektiver Chronistenpflicht, weil "Ágætis Byrjun" eben ein wichtiges und wegweisendes Album ist, das in derlei Kontexten einfach erwähnt werden müsse: Objektivität mein Arsch, wir sind hier schließlich nicht bei Springers Musikexpress. Tatsächlich liegt der Grund für diese sehr ungewöhnliche Situation auf der genau gegenüberliegenden Seite der Objektivität - es wird persönlich. Strenggenommen wird es gar zu persönlich.  

Das zweite Album Sigur Rós' erreichte die Welt der Herzallerliebsten und meiner Wenigkeit irgendwann im Herbst des Jahres 2000, und wir waren uns sicher, eine solche Musik bis dato noch nie gehört zu haben. Es verdrehte uns die Köpfe. "Ágætis Byrjun" klang wie aus einer anderen Welt. Buchstäblich außerirdisch und damit nicht zu decodieren. Ihre Musik wirkte märchenhaft und fremdartig auf uns. Die in der erfundenen Sprache "Hopelandic" gesungenen Töne, Laute, und im weiteren Sinne "Worte" spielten hinsichtlich jener Wahrnehmung sicherlich eine große Rolle, aber auch darüber hinaus hatte die Band eine ganz eigene musikalische Sprache entwickelt. Jayson Greene schrieb in seiner 2019er Besprechung auf Pitchfork.com, das Album sei in erster Linie ein Siegeszug durch die Arrangement- und Engineering-Fakultäten, bevor Greene anschließend ein wenig pseudowissenschaftlich wurde, als er die ornamentalen Sounds als "special effects" bezeichnete, die mit dem Gehirn ausschließlich über eine Dopamin-Flutung kommunizierten. Das ist immerhin mehr, als mir einfiele; ich würde es bis heute nicht mal auf ein unteres Level irgendeines "pseudos" bringen, sondern mich beim Versuch, den Mechanismus von "Ágætis Byrjun" nebst seiner Wirkungsweise auf die tiefer liegenden emotionalen Schichten zu beschreiben, im dunklen Esoterik-Märchenwald verlaufen. Offen gesagt bin ich damit auch schlicht überfordert. Ich habe eine vage Ahnung von der Verbindung, die "Ágætis Byrjun" ins Innere aufbaut, aber mir fehlen die Kapazitäten, dafür die angemessenen Worte zu finden - ein starkes Stück für jemanden, der seit dreißig Jahren über Musik schreibt. Aber weil ich der Überzeugung bin, die Kapitulation vor der eigenen Ahnungslosigkeit sollte öfter eine echte Alternative zu besinnungslosem Gequalle sein, lass ich den vorangegangenen Satz mal so stehen. 

Freilich ist es in solchen Fällen umso verlockender, sich den Allgemeinplätzen hinzugeben, aber kein Mensch will doch heute noch was über den Cellobogen lesen, mit dem Jón Þór Birgisson seine Gitarre spielt. Und niemand will 2026 noch das ubiquitäre Gefasel über Postrock, das unvermeidliche "Kopfkino" und den aufgepompten Kitsch, der manches Mal perfekt zur emotional anrührenden Schlusszene eines Walt Disney-Films passen würde - auch das eine Wahrheit dieses Albums - reingedrückt bekommen. "Ágætis Byrjun" ist wirklich das theatralische, wunderliche, immersive, visionäre Wunderwerk, für das es die Mehrheit derer halten, die selbst im Jahr 2026 noch ganz bei Trost sind, sowas soll's geben. Es ist dabei in seinen aufmunternden und erhebenden Grundtönen mehr Dur als Moll, eine fürs umklammernde Genre eher ungewöhnliche Charakteristik. Sigur Rós ließen kurz vor dem Release der Platte über einen Eintrag auf ihrer Website mitteilen, sie würden dann mal schnell die Musikwelt aus den Angeln heben: 

"We are simply gonna change music forever, and the way people think about music.” 

- und ich denke, sie hatten einen Punkt. Aber solche Geschichten haben wir in den letzten 27 Jahren nun schon wirklich tausendfach gesehen und gehört. Was über "Ágætis Byrjun" geschrieben werden musste, wurde geschrieben. Womit der Zeitpunkt gekommen ist, in den persönlichen Teil dieses Beitrags einzutreten. 

"Ágætis Byrjun" war im Januar 2002 der Auslöser für den wohl größten emotionalen Kollaps meines Lebens. Der Krebs war zurück, ich hatte zu jeder wachen Sekunde Schmerzen, seit Monaten nicht mehr als drei Stunden pro Nacht geschlafen und wegen anhaltender Blutarmut einen Teint wie Porzellan. Ich war also rundherum ein völliges Wrack - das sich zur vermeintlichen Linderung von all jenen Malheurs täglich für eine Stunde in die heiße Badewanne legte und dabei laute Musik hörte. Sich in derlei desolaten Verfassungen ausgerechnet mit Klängen zu konfrontieren, die ob ihrer Intensität und Dramatik schon bei optimistischeren Darstellungen der mentalen Wandbemalung eine Herausforderung fürs Gemüt sein können, ist aus heutiger Sicht eine durchaus zweifelhafte Entscheidung, aber damals hatte ich den Eindruck, es wäre vor allem die Musik von Sigur Rós, die mir, für was auch immer, helfen könne. Ich kann heute nicht mehr so recht einsortieren, was genau passierte, aber als eines Nachmittags in der Badewanne ihr Song "Viðrar Vel Til Loftárása" lief, bekam ich jeden Boden unter den Füßen weggezogen und durchlebte einen kapitalen Meltdown. Mit viel (verlogener) Zuversicht könnte ich mich im Abstand von 24 Jahren eventuell dazu hinreißen lassen, von einer Katharsis zu sprechen, aber eigentlich war alles rock bottom. Und das Gefühl, was bis heute beim Gedanken an diesen Tag vorherrscht ist ebenfalls rock bottom. Da gibt es absolut nichts darunter - und auch absolut nichts darüber. 

Das war also das letzte Mal, dass ich "Ágætis Byrjun" hörte. 

Bis heute. 

Dabei wird es bleiben.

Vinyl und so: Es herrscht weitgehend Konsens, dass die Pallas-Pressung aus dem Jahr 2021 über das bandeigene Label Krúnk mit dem originalen Coverartwork die ultimative Version dieses Albums ist. Klanglich stimme ich in den Chor der bewusstlos Begeisterten ein, "Ágætis Byrjun" klingt hier wirklich absolut fantastisch. Allerdings muss ich darauf hinweisen, dass wenigstens meine Kopie auf der ersten Hälfte der D-Seite einige größere Probleme mit Non-Fills aufweist, die nur schwer zu ignorieren sind. Das Album ist in allen noch erhältlichen Vinyl-Versionen teuer (das heißt: über 40 Euro), daher empfehle ich den Kauf bei einem Händler, der Retouren und Ersatzlieferungen unkompliziert über die Bühne bringt. Vor wenigen Tagen erschien zum 50.Geburtstag von Rough Trade ein ebenfalls von Pallas hergestelltes 4-LP Set, das neben dem regulären Album auch noch das in Reykjavík mitgeschnittene "Live at Íslenska Óperan"-Konzert aus dem Jahr 1999 beinhaltet. Für schlappe 85 Euro seid ihr dabei. ¯\_(ツ)_/¯

Weiterhören: "Takk" (2005), "()" (2002)

Erschienen auf Smekkleysa, 1999.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #149: Autopsy - Mental Funeral (1991)

AUTOPSY - MENTAL FUNERAL

"You ever hear voices in your head that tell you to do really horrible Things like...I dunno, maybe go and see a Limp Bizkit reunion concert or something...DON'T LISTEN TO THOSE!" (Chris Reifert)

Mein Verhältnis zu Death Metal, ich hatte es bereits mehrfach angesprochen, lässt sich am besten mit "ambivalent" beschreiben. Wenn ich großzügig bin, könnte ich möglicherweise maximal 40 Bands des Genres aufzählen, die mich nachhaltig beeindruckten - und über 80% davon zählen zur so einflussreichen wie erfolgreichen ersten Welle, die ab dem Ende der 1980er Jahre bis in die frühen Neunziger hinein wirkte. Wenigstens jener letztgenannte Aspekt überrascht nicht, denn das vollständige Eintauchen in meine Metal-Sozialisation via der monatlichen Lektüre von Szenemagazinen wie dem Rock Hard oder dem Metal Hammer fällt exakt in dieses Zeitfenster. So bekam ich früh von allem Wind, was der Untergrund gerade so ausbrütete und spätestens, als der legendäre Redakteur des Metal Hammers namens "Death Metal Norberto" in seiner Rezension zu "Spiritual Healing" von Death davon schrieb, Slayers "South Of Heaven" sei im direkten Vergleich ein lauwarmer Furz über dem Donnerbalken des Heavy Metal, eine Einschätzung, die ich auch 36 Jahre später immer noch uneingeschränkt teile, war klar: ich musste das hören. So stand also eines Tages der zwölfjährige Florian in der Musikabteilung des hiesigen Neckermanns und ließ sich von der Dame hinter dem Reinhörschalter eben "Spiritual Healing" zum Antesten auflegen. Und es kam, wie es kommen musste: diese erste faszinierende Begegnung mit Death Metal führte zu einem weiteren Taschengeldverlust von achtzehn Mark und außerdem zur weiterführenden Prüfung von Familientherapieangeboten meiner Eltern. Und irgendwie macht sowas ja etwas mit einem Menschen, einem sehr jungen zumal. In meinem direkten Umfeld gab es absolut niemanden, mit dem ich meine Gedanken dazu teilen konnte, aber dafür hatte ich Typen wie Frank Albrecht aus dem Rock Hard, der mir nicht nur jeden Monat von allen neuen Death Metal-Bands und ihren Platten berichtete, sondern fast noch wichtiger: einen Einblick in diese so junge und florierende Szene gab. Ich habe den Aufstieg des Genres praktisch ab der Stunde Null live miterlebt, und selbst wenn ich bei Weitem nicht alles davon hören oder lieben konnte und ohnehin noch viel zu jung für Konzerte war, war es für meine Selbstfindung und Orientierung wichtig. Ich gehörte dazu, ohne wirklich dazu zu gehören. 

"Meine Jungs. Das sind meine Jungs!" (Wayne's World) 

Dass ich eben noch Death erwähnte, öffnet in gewisser Weise auch das Türchen zu Autopsy. Deren Gründer, Schlagzeuger und Sänger Chris Reifert trommelte nämlich sowohl auf dem 1986er Death-Demo "Mutilation" als auch auf dem ein Jahr später erschienenen Debutalbum "Scream Bloody Gore", einem der ersten Werke aus der Death Metal-Ursuppe. Die Wege von Death und Reifert trennten sich, als die Band von Kalifornien zurück nach Florida zog und Reifert in San Francisco blieb um dort 1987 Autopsy zu gründen. 

Autopsy im Allgemeinen und Chris Reifert im Speziellen gehören in meinem Buch zu den großen Visionären des Death Metal. Es kommt nicht von ungefähr, dass Autopsy von einer Vielzahl damaliger Weggefährten wie beispielsweise Cannibal Corpse, Deicide, Pestilence oder Entombed als großer Einfluss auf die eigene Musik genannt werden, mit besonderem Fokus auf das 1991 erschienene zweite Album "Mental Funeral". Schon das zwei Jahre zuvor veröffentlichte Debut "Severed Survival" war im damaligen Klima und der Jagd nach Geschwindigkeitsrekorden eine echte Ausnahmeerscheinung, weil es eben nicht Geschwindigkeit, sondern Atmosphäre in den Mittelpunkt rückte. Autopsy konnten zerstörerisch schnell und chaotisch sein, wenn sie wollten, aber ihr eigentlicher Shtick waren die zähen, fiesen, doomschlürfigen Ausflüge in abgründigste Sumpfgebiete mit ihren walzenden und disharmonischen Riffkaskaden, die die Stimmung auf ihren Alben so extrem unangenehm, morbide, trostlos und furchteinflößend machten. Obwohl die Band nach eigener Aussage keine Ahnung hatte, was sie im Nebel aus Alkohol und Marihuana bei den Aufnahmen zu "Mental Funeral" tatsächlich anstellte, gehört das Ergebnis zu den formvollendesten Beispielen des Gestörten-Metals. Möglicherweise haben wir hier sogar die Geburtsstunde von Sludge Metal und Death Doom. 

Ein Sound wie ein langsam im kalten Boden verrottender Sarg. Wie das berstende Holz eines verlassenen Piratenschiffs in der dunkelsten Nacht im Pazifik. Wie glühender Torf. Keine Kompromisse. Kein Licht. Keine Liebe. Stattdessen primitives Dachschadengeschepper, schleppendes Amöbengekrieche und verstörendes Kloakengeschrei über Nekrophilie. Selbst in der sich zwar damals noch entwickelnden, aber mit extremen Auswüchsen ja nun beileibe nicht unvertrauten Death Metal-Szene war "Mental Funeral" kurz nach Veröffentlichung alles andere als unumstritten. Wer sich vergegenwärtigt, wie im Vergleich die gerade erfolgreich werdenden Obituary zu jener Zeit klangen, wird davon kaum überrascht sein; im Vergleich mit "Mental Funeral" klingt Obituarys "The End Complete" wie ein pubertärer Messdienerpups. Als die Band auf den beiden Nachfolgern "Acts Of The Unspeakable" (1992) und dem berüchtigten "Shitfun" (1995) mit noch abstoßenderen Coverartworks und extremeren, von Punk, Hard- und Grindcore beeinflussten Sounds sogar noch weiter aufdrehte und sich im gleichen Maße von dem abgrenzte, was im Metal allmählich salonfähig wurde, wurde es nur noch offensichtlicher, was die echten Fans schon lange wussten: Autopsy sind the real deal. 

Vinyl und so: "Mental Funeral" wurde von Peaceville ab dem Jahr 2010 immer wieder mal neu aufgelegt. Der zuletzt erschienene Repress mit leicht verändertem Cover und einem Remastering von 2017 ist noch für um die 30 Euro zu haben. Wer die Originalpressung sucht, muss aktuell um die 100 Euro ausgeben. Ich weiß nicht, wie das Remaster klingt, aber wenn man mich fragt, sollte "Mental Funeral" grundsätzlich von derlei Eskapaden verschont bleiben. 

Weiterhören: "Severed Survival" (1989), "Acts Of The Unspeakable" (1992) 

P.S.: Die Band ist nach ihrer zwischenzeitlichen Auflösung im Jahr 1995 seit Ende der 2000er Jahre wieder aktiv, veröffentlicht neue Alben und tourt weltweit.

 

Erschienen auf Peaceville, 1991.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #150: Tankard - Fat, Ugly & Live (1991)

TANKARD - FAT, UGLY & LIVE

"From Frankfurt to Frisco, we destroy every disco" (Tankard, "Disco Destroyer", 1999)

In Anlehnung an die sogenannten Big 4 des US-amerikanischen Thrash Metals, also die sowohl erfolgreichsten als auch einflussreichsten Acts Metallica, Slayer, Megadeth und Anthrax, hat auch der deutsche Thrash-Kosmos mit Kreator, Sodom, Destruction und Tankard seine vier großen Vertreter mittlerweile im Szenekanon etabliert - die sich hinsichtlich der Verkaufszahlen im Vergleich mit ihren Kollegen aus Übersee ganz bestimmt in einer völlig anderen Dimension bewegen, deren Einfluss, vor allem auf die skandinavische Death Metal- und Black Metal-Szene hingegen kaum zu unterschätzen ist. Egal, wer sich seit Beginn der neunziger Jahre in Schweden, Norwegen und Finnland in einem Proberaum traf und zu einer Band zusammenschloss, sie alle haben ihre DNA-Stränge mit dem primitiven Gebolze und der unberechenbaren Chaos-Ästhetik von "Pleasure To Kill" (Kreator), "Obsessed By Cruelty" (Sodom) und "Sentence Of Death" (Destruction) tapeziert. Im Vergleich mit einem Ruhrgebiet-Assi wie Tom Angelripper galten Typen wie James Hetfield oder Dave Ellefson als geleckte und durchgestylte Schönlinge, ganz zu Schweigen von den arschfidelen Anthrax in den berüchtigten bunten Bermudashorts und mit ihren musikalischen Ausflügen in den Hip Hop. Wer den frühen Black Metal in erster Linie als Gegenbewegung zur professionellen Vermarktung von Heavy Metal-Bands begreift, wird nur mäßig davon überrascht sein, dass die emotionale Verbindung zur als außer Rand und Band und "gefährlich" wahrgenommenen deutschen Thrashszene eine herausragende Bedeutung hatte.  

Tankard fremdelten mit dieser Gesellschaft ein wenig - und sie tun es streng genommen bis heute. Einerseits entschied sich die Band trotz des überraschenden Erfolgs ihres vierten Studioalbums "The Meaning Of Life" (1990) schon früh dazu, keine professionelle Musikerkarriere zu verfolgen und es also geschäftlich insgesamt etwas gemächlicher angehen zu lassen, was eine grundsätzlich geringere Präsenz im Metalzirkus bedeutet. Sie MÜSSEN also nicht wie viele andere jeden Scheiß mitmachen, sie suchen sich aus, welchen Scheiß sie mitmachen WOLLEN. Und diese daraus resultierende Glaubwürdigkeit kann man hören. Zum anderen setzten die Frankfurter ab der Stunde Null auf ein komplett anderes Image als viele ihrer (nicht nur) deutschen Weggefährten. Keine Lederfummel und schwere Patronengurte, keine Kriegs- und Kampf-Ästhetik, keine Weltuntergangsszenarien - stattdessen: Saufen und gude Laune, oleee, oleee. Der Titel ihres zweiten Demotapes aus dem Jahr 1985 hieß "Alcoholic Metal", und damit war die eingeschlagene Richtung für die nächsten Jahrzehnte eigentlich erschöpfend auserzählt. Selbst wenn immer wieder mal ernste gesellschaftliche oder gar politische Themen in ihren Texten auftauchten, und ich will das auf keinen Fall unter den Tisch fallen lassen, blieben Tankard immer der eher heiteren, unbeschwerten Seite des Lebens zugeneigt. Unterstützung bekam das Bild von den stilprägenden Artworks von Sebastan Krüger, der in Tankards Blütezeit von 1987 bis 1994 für einige ihrer bis heute legendären Cover verantwortlich war. 

All das fügt sich auf "Fat, Ugly & Live" zusammen, in meinem Buch eines der besten Livealben aller Zeiten. Und gleichzeitig ist die 1991 veröffentlichte LP eines der unterschätztesten Livealben aller Zeiten, denn das ist die Sache: mit einem solchen Image hat man es in Metalkreisen traditionell schwer, wirklich ernstgenommen zu werden, und es wird nicht einfacher, wenn sich die Protagonisten selbst alles andere als ernst nehmen. Tankard wurden wegen ihres Auftretens, ihrer Texte und ihrer Musik von der oftmals unfreiwillig komischen Szenepolizei belächelt, und ganz vielleicht war genau das der Band am Ende des Tages gar nicht so irre unangenehm, weil es ihnen die Freiheit gab, genau so zu sein, wie sie eben waren. Nur wenig bildet Tankards Attitüde einerseits und die Atmosphäre innerhalb der deutschen Metalszene zu Beginn der 1990er Jahre andererseits so gut ab wie "Fat, Ugly & Live". Das auf Konzerten in Bochum und Frankfurt mittgeschnittene Album fängt die bombastische Stimmung in den Clubs perfekt ein und spiegelt das sowohl rebellische als auch identitätsstiftende "Wir gegen die"-Gefühl ab dem ersten Ton. Symbolisch sei auf die Ansage Gerres zum Song "We Are Us" verwiesen:

"Ihr habt sicherlich alle mitbekommen, in den Medien findet im Moment eine unglaubliche Hetzkampagne gegen Heavy Metal und insbesondere Thrash Metal statt. Was haltet ihr davon?"

Publikum: "Scheiiiiße!"  

"Waaaaas?"

"Scheiiiiiße!"

"Okay. Wir können nur eins dazu sagen: Wir scheißen auf diese ganze scheiß Spießermoral. Wer sind diese Leute überhaupt? Wir wissen, wer sie sind: Who are you? We Are Us!"

Und derart agitiert möchte mein Reptiliengehirn selbst heute noch während des anschließenden Songs am liebsten die komplette Inneneinrichtung meines 3,40qm großen Kartoffelackers zu Püree verarbeiten, denn es gibt beinahe keinen besseren Soundtrack dazu. Tankards Musik war nie für Komplexität und technische Raffinesse angelegt, stattdessen bekam man mit mindestens 300bpm immer ordentlich den Arsch versohlt und wurde ansatzlos umgewichst. Lieb gemeint, natürlich. "Fat, Ugly & Live" ist rowdyhaft, außer Kontrolle - und voller Leben. Es macht einfach unglaublich großen Spaß, diese Platte zu hören. 

Zu Dokumentationszwecken und damit das mal gesagt ist. schreibe ich es jetzt hier und heute und für alle Ewigkeit mal so ganz nonchalant hin: Tankard sind Deutschlands beste Thrashband. 

Vinyl und so: Die Erstpressung von 1991 im Gatefold-Cover und mit einem erneut wunderbaren Artwork von Sebastian Krüger ist für um die 30 Euro zu bekommen. Ein Repress ist weit und breit nicht in Sicht. Dass Noise "Fat, Ugly & Live" für das im Jahr 2022 erschienene Boxset "For A Thousand Beers" mit der kompletten Werkschau vom Debut "Zombie Attacke" bis hin zu "The Tankard" (1995) komplett unter den Tisch fallen ließen, ist ein absoluter Skandal.

Weiterhören: "The Meaning Of Life" (1990), "Chemical Invasion" (1987), "Disco Destroyer" (1999) 

Trivia: Zwischen 1997 und 2005 spielte Herr Dreikommaviernull in einer Frankfurt Band namens Broken zusammen mit zwei Urgesteinen der Frankfurter Thrashszene, die ein paar Jahre zuvor mit ihrer Band Think Of Misery im Untergrund einigen Staub aufwirbeln konnten; das Album "Poverty Is No Disgrace" gilt heute in eingeweihten Kreisen als äußerst obskure Perle des deutschen Thrash Undergrounds. Wir probten im Frankfurter Marbachbunker, wo auch Tankard jahrelang ihren Proberaum hatten. Meine beiden Mitstreiter hatten freilich unzählige Geschichten aus den gemeinsamen Zeiten auf Lager. Eine ganz besonders schöne davon möchte ich hier aus der Perspektive des Ich-Erzählers dokumentieren. Ich nenne (fast) keine Namen. 

"Tankard haben mal im Frankfurter Volkbildungsheim gespielt, und ich war an dem Abend der Roadie für'n Arnulf (Tunn, damaliger Tankard-Schlagzeuger). Ich hab alles uffgebaut, alles war ferddich. Dann bin ich mit so 'ner Alten auf die Empore im Vobi und hab' mit der rumgemacht und dabei gar nicht mitbekommen, dass Tankard schon angefangen hatten zu Zocken. Nach so 'ner dreiviertel Stunde denk ich auf einmal so "SCHEISSE! DE' ARNULF!" und renne runter zu ihm. Der sah nicht gut aus. Der hackt da rum und schreit mich an: "WASSER! WASSER!" und ich war so aufgeregt, dass ich zwei Flaschen Sprudel genommen hab und einfach über ihm ausgekippt hab'. Und dann sehe ich nur, wie die beiden Drumsticks *flup*...*flup* durch die Gegend flogen. Fand er net so geil, der Arnulf."

Erschienen auf Noise Records, 1991.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #151: Vicious Rumors - Word Of Mouth (1994)

VICIOUS RUMORS - WORD OF MOUTH

“My best advice to anyone who wants to raise a happy, mentally healthy child is: Keep him or her as far away from a church as you can.” (Frank Zappa)

Musik aus einer komplett anderen Welt. Ich bin eventuell ein ganz kleines bisschen pathologisch dazu veranlagt, meine Wahrnehmung über eine Band wie Vicious Rumors stets in epischer Breite und Penetranz darzulegen - und könnte dabei unmöglich darauf verzichten, die ganz großen Fässer "US Metal" und "Power Metal" ins historische Bild zu rollen. Ich weiß allerdings auch, dass es für meine geschätzten Leserinnen und Leser interessanter ist, Farbe beim Trocknen zuzuschauen, als sich die sowieso schon am Rande der Kapazitätsgrenze dampfende Festplatte mit all dem uralten Remmidemmi weiter vollnageln zu lassen. Aber wir kommen hier sonst nicht weiter, es muss einfach raus. 

Was vielleicht gleich zu Beginn mal raus muss: Vicious Rumors existieren auch heute noch und tingeln auf der kleinstmöglichen Sparflamme durch die Welt. In den letzten dreißig Jahren gab es eine unüberschaubare Anzahl von Besetzungswechseln, eine Sammlung weitgehend egaler Studioalben und zwischen fragwürdig und indiskutabel hin und her pendelnde Interviewaussagen von verschiedenen Bandmitgliedern. Zuletzt erregten Postings des Schlagzeugers Larry Howe auf Social Media Aufmerksamkeit, in denen er sich als rechtes MAGA-Arschloch outete. Nach einigem Gezerre und angedrohten Konzertabsagen seitens der Veranstalter wurde Howe schließlich aus der Band geworfen, aber man wird das Gefühl nicht los, es hier in erster Linie mit einer Businessentscheidung zu tun zu haben, als mit einer ehrlichen Abgrenzung von rassistischem Scheißdreck. Ich bin mir daher auch nach Monaten des Abwägens immer noch nicht sicher, ob es eine schlaue Entscheidung ist, Vicious Rumors in meinen Countdown aufzunehmen. Jetzt sind wir zwar hier, aber der Zweifel bleibt - story of my life. 

Then again: das ist nicht nur Musik aus einer anderen Welt, das war auch mal eine völlig andere Band. Im Rückblick erscheint es mir manchmal so, als wäre die ganze frühneunziger Zeitachse aus einem Bizarro-Paralleluniversum herausgeplumpst. Vicious Rumors gehörten zu einem sehr kleinen Kreis von Bands, die Genres wie US Metal und Power Metal zugeordnet wurden, und die über einen kurzen Zeitraum von maximal drei Jahren plötzlich Verträge mit Majorlabels an Land ziehen konnten. Betrachtet man den musikalischen Zeitgeist zum Ende der 1980er und zu Beginn der 1990er Jahre, ist der Umstand mit "kurios" noch sehr zurückhaltend beschrieben, aber in den Chefetagen von Epic, Atlantic und Elektra gab es offensichtlich Menschen, die es Bands wie Metal Church und eben Vicious Rumors zutrauten, genau das Publikum abzuholen, das sich noch unbewusst eine Mischung aus Metallica und Bon Jovi wünscht. Und für jene bei Temu gekaufte Horror-Definition von Power Metal bekomme ich von nächstbesten Szenefossil garantiert den Arsch versohlt, aber wer weiß, vielleicht steh' ich ja drauf?! Ha!

Vicious Rumors waren mit ihrem 1985 erschienenen Debut "Soldiers Of The Night" und dessen Nachfolger "Digital Dictator" aus dem Jahr 1987 bereits eine Kultband: die Kritiker überschlugen sich, und eine kleine, aber überaus loyale Fanbase wich der Band fortan nicht mehr von der Seite. An einen Erfolg im Mainstream war indes nicht mal im Traum zu denken: ihre Musik war nicht nur zu gleichen Teilen (zu) heavy und (zu) verspielt, sie hatten zudem ab "Digital Dictator" mit Carl Albert einen zwar wirklich überragenden Sänger in ihren Reihen, dessen Stimme aber eher etwas für den fortgeschrittenen Kenner als für den klassischen Ottonormalrocker war. Und wie man eine von den immerhin offensichtlichsten Metal-Klischees befreite Musik vor allem in Amerika hätte vermarkten wollen, würde mich auch im Jahr 2026 noch immer sehr interessieren. 

Das selbstbetitelte dritte Album (1990) sowie das nur ein Jahr später veröffentliche "Welcome To The Ball" erschienen dann tatsächlich auf dem Majorlabel Atlantic Records. Qualitativ hatte die Band bis dahin eine makellose Diskografie zu bieten, die aber im Zuge des Triumphzugs von "Nevermind" praktisch über Nacht wertlos wurde. Wer auch immer dem Kreis von Unterstützern bei Atlantic zuzurechnen war, verlor den Job und wurde mit Managern ersetzt, die erstens den Auftrag erhielten, die nächsten Nirvana zu finden und die zweitens mit progressiv angehauchtem Power Metal mal so gar nichts an der Frisur hatten - und haben durften. Vicious Rumors waren in Rekordgeschwindigkeit zu ärgerlichem Ballast geworden - und Ballast muss entfernt werden. Was folgerichtig das Ende ihres kurzen Major-Intermezzos bedeutete. 

Die Band gab indes nicht auf, sondern kam für ihr nächstes Album "Word Of Mouth" beim kleinen deutschen Label Rising Sun Productions unter, das zu jener Zeit eine Art Auffangstation für die aufs Abstellgleis verfrachteten ehemaligen Majorbands wie Metal Church und Riot wurde. Aus geschäftlicher Sicht war das freilich eine Bruchlandung, und zusammen mit dem damaligen Zeitgeist, der alles, was sich auch nur entfernt nach Metal anfühlte als lächerliches Relikt eines untergegangenen Zeitalters in die nächstbeste Senkgrube ballern wollte, war die Band kommerziell mausetot. Künstlerisch betrachtet erschienen zu jener Zeit aber einige der besten Metalalben aller Zeiten, und "Word Of Mouth" hat sich seinen Platz in dieser Liste verdient. Es ist tragisch, wie wenige Metalfans das 1994 noch mitbekommen haben. 

"Word Of Mouth" ist trotz (oder gerade wegen) der widrigen Umstände ein sensationelles Album. Die Band hat den Härtegrad ihrer Musik nochmal deutlich nach oben geschraubt - ich bestaune auch nach über dreißig Jahren noch immer das dicke Brett, das das Riff von "All Rights Reserved" bohrt, Heilig's Blechle! - was gemeinsam mit den heruntergestimmten Gitarren, den ungewöhnlichen Gesangsharmonien und einem bemerkenswert aufgefrischten Melodieverständnis den Vibe der Aufnahmen zwar dezent, aber spürbar in modern wirkende Bereiche des Alternative Rocks verschiebt, ohne dabei weder den einzigartigen Stil der Band noch die Virtuosität ihrer Musiker auch nur im Ansatz zu beschädigen. Zwischen tiefergelegten Erdkern-Groovern wie eben "All Rights Reserved" und "Thinking Of You" platzieren sich ganz selbstverständlich melodische Diamanten wie "Thunder And Rain Part 2", das unnachahmliche "The Voice" und das stimmungsvolle und absolut brillant gesungene "Dreaming", womit es der Band gelingt, den so ubiquitär ins Feld geführte "Spagat zwischen Tradition und Moderne" mühelos zu vollführen. "Word Of Mouth" ist die Meisterklasse des Power Metals der neunziger Jahre - und sogar darüber hinaus. 

Sänger Carl Albert verstarb im Jahr 1995 im Alter von 32 Jahren an den Folgen eines Autounfalls. Ein Schock, von dem sich die Band, allen voran Geoff Thorpe, vermutlich bis heute nicht erholt hat. Dass Thorpe trotzdem niemals aufgab und kontinuierlich neue Alben veröffentlicht und Tourneen spielt, nötigt mir durchaus Respekt ab, denn der Absturz, den die Band nach Alberts Tod verkraften musste, war in seiner Tragweite absolut beispiellos. Wer sich das erste Album nach der Tragödie "Something Burning" (1996) angehört hat, oder die Artworks der nachfolgenden Alben kennt, weiß vermutlich, wovon ich spreche. Vielleicht ist es ein bisschen zu dicke, "Word Of Mouth" nicht nur hinsichtlich der Bandkarriere, sondern auch im größeren Kulturkontext als das Ende einer Ära zu bezeichnen. Andererseits: welches Power Metal Album - zur Klarstellung: ich rede von KLASSISCHEM Power Metal der späten 80er bis frühen 90er Jahre; kommt mir hier bloß keiner mit dieser Kinderliedscheiße, die seit den 2000ern unter Power Metal läuft, sonst kotz' ich mich voll! - hat seitdem eine ähnliche Klasse und einen vergleichbaren Impact gehabt? Eben. 

Vinyl und so: Das Spezialistenlabel The Night Of The Vinyl Dead veröffentliche 2019 eine auf 555 Stück limitierte Vinylfassung dieses Klassikers, die heute für etwa 75 Euro zu haben ist. Es ist davon auszugehen, dass hier schlicht die CD-Files auf das Vinyl gezogen wurden, aber immerhin hat man sich bei der Gestaltung des Gatefolds einiges einfallen lassen und einen "Fold-Out"-Mechanismus eingebastelt. Das ist ein nettes und schön gemachtes Gimmick. Nicht so schön: die originale Farbgebung des Artworks in lila und violett und das Bandlogo wurden verändert - und nicht zum Positiven, wie ich anfügen möchte. 

Weiterhören: "Vicious Rumors" (1990), "Digital Dictator" (1987), "Welcome To The Ball" (1991), "A Tribute To Carl Albert" (1996 - Bootleg-Liveaufnahmen der letzten Europatournee mit Carl aus dem Jahr 1994 plus drei bislang unveröffentlichte Bonustracks)

   

Erschienen auf Rising Sun Productions, 1994.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #152: Chum - Dead To The World (1996)

CHUM - DEAD TO THE WORLD

"Loneliness isn't being alone, it's when someone loves you and you don't have it in you love them back." (Xiu Xiu)

"Dead To The World" ist ein weiterer Deep Cut aus den neunziger Jahren. Die Band aus Huntington, West Virginia brachte es nur auf ein einziges Album und verschwand zwei Jahre nach dessen Veröffentlichung wieder in der Versenkung. Betrachtet man die stilistische Ausrichtung ihrer Musik mag das nicht überraschen, und dennoch darf die Frage gestellt werden, warum ihnen im musikalischen Klima zur Mitte der Neunziger mit einen solchen Sound nicht mehr, oder etwas gewagter formuliert: alle Türen offen standen. Andererseits waren Chum beileibe nicht die einzige Band, die, obwohl es der Zeitgeist eigentlich gut mit ihnen meinen sollte, irgendwann aufgeben mussten, weil der Siegeszug des Chauvi-New Metals seinen Lauf nahm. 

Damit konnten Chum nicht konkurrieren. Ihr tiefergelegter Breitwandriffhausen-Mix mit Einflüssen von Helmet, Only Living Witness, Faith No More (mit Überhangmandat zur etwas weniger experimentellen Phase ab "King For a Day, Fool For A Lifetime"), Quicksand und Dearly Beheaded wurde mit verschachtelt-progressiven Elementen angereichert, was unter anderem dazu führte, dass offensichtliche Hits für das US-amerikanische Radio nicht mal ansatzweise eine Rolle spielten. Zudem brachte die in diesen überaus dick gewebten Grooveteppich eingehäkelte Komplexität ein hohes Intensitätsniveau mit sich. Es kann hier also auch mal ungemütlich, kratzbürstig, noisig und emotional, ich traue mich fast nicht, es hier hinzuschreiben: herausfordernd zugehen - und so eine Mischung führt bis heute nur in Ausnahmefällen zu einem Bestseller. 

"Dead To The World" ist in exakt richtig dosierten Momenten ultraheavy und wirkt durch die klare und ausdrucksstarke Stimme von John Lancaster - ich erlaube mir an dieser Stelle, eigentlich unzulässige Parallelen zum Timbre eines Mike Patton hervorzuheben - zugleich zerbrechlich. Sowas klickt immer mit mir, und zwar ab Sekunde Eins. Keine übertriebene Härte, keine Effekthascherei, kein affektiertes Muskelflexen, keine Klischees. In "Kindling Kind", einem der zahlreichen Höhepunkte des Albums und seit Jahrzehnten sicherer Stammgast auf sämtlichen Florian'schen Mixtapes und Playlists unter dem Rubrum "Rock with a capital R", walzt sich die Band durch alles, was mir lieb und teuer ist: am offenen Feuer geschmiedete Riffs und Grooves, von denen man sich wünscht, man hätte sie selbst geschrieben, gekonnt inszenierte Laut/Leise-Dynamik und ein Arrangement, das spielerisch und wie von Zauberhand die Auflösung aus dem Groove-Dickicht findet und gegen Ende eine unnachahmliche Wucht und Vehemenz entwickelt. 

It doesn't get much better than this, really. 

Vinyl: 1996 erschien "Dead To The World" ausschließlich in der CD-Fassung. 2025 nahmen sich Outer Orbit Records ein Herz und veröffentlichten das Albums in zwei Farbvarianten (schwarz und gelb-schwarz-Galaxy) erstmals auf Vinyl. Das ist gut. Eher schlecht: der Vertrieb läuft exklusiv über Outer Orbits, beziehungsweise über den angeschlossenen Plattenladen Orbit's Recordshop in Barboursville, West Virginia. Die Platte ist mit 23 Dollar wirklich sehr moderat bepreist, aber die Versand- und Zollgebühren killen das freilich wieder. Es wird also nicht billig. Gut: der Inhaber des Ladens und des Labels ist mit einigen Mitgliedern von Chum befreundet und kann, sofern gewünscht, Sänger John Lancaster die Platte signieren lassen. Mittelgut: zum dreißigjährigen Jubiläum von "Dead To The World" erscheint im Sommer 2026 eine neue, auf ein Doppelalbum erweiterte Fassung des Albums, auf der vier bislang unveröffentlichte Songs aus den Aufnahmesessions auftauchen. Außerdem gibt es ein neues Coverartwork. 

Weiterhören: John Lancaster - A Panchent For Hell On Earth (2015), Hyatari - The Light Carriers (2005) 

Zusatzinformation: Die Band arbeitet nach fast dreißigjähriger Pause aktuell an einem neuen Album.

Shoutout an Freund und 90er-Alternative und Indie-Tausendsassa Andi, der mir "Dead To The World" zur Mitte der nuller Jahre ins Körbchen legte.  

 

Erschienen auf Century Media, 1996. 

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #153: The Cinematic Orchestra - Motion (1999)

THE CINEMATIC ORCHESTRA - MOTION

"In meinen

glücklichen

Augenblicken

fühle ich mich

vom Aussterben

bedroht."

(Wolf Wondratschek)

Das Debutalbum dieser Ende der 1990er Jahre von Jason Swinscoe gegründeten britischen Band ist nicht nur ihr bis dato bestes Werk, sondern in seiner Radikalität in der Verschmelzung von Jazz, Hip Hop und Electronica ein einzigartiger Höhepunkt eines Genres, das eigentlich gar nicht existieren dürfte. Swinscoes Idee, eine echte Band aus Jazzmusikern zusammenzustellen, ihnen zunächst einen riesigen Haufen Samples zum Einüben vor die Füße zu werfen und sie anschließend in stundenlangen Sessions darauf herumimprovisieren zu lassen, bevor er, Swinscoe, sich mit virtueller Schere und Tesafilm an die eigentliche Produktion setzte, indem er Teile jener Sessions auseinanderrupfte und zu einer komplett neuen Einheit zusammensetzte, nachdem er sie mit neuerlichen Samples bearbeitet hatte, war revolutionär - und zugleich so weit von meiner durch Rockmusik bestimmten Sozialisation entfernt, dass mir streng genommen jedes Verständnis dafür fehlt, wie sowas geht. 

Bon, das ist ein bisschen geflunkert; mit beinahe 49 Jahren hat sich der Tunnelblick glücklicherweise mittlerweile eher erweitert als verengt. Aber wenn mir der jahrzehntelange Konsum von Rockmusik nebst ihrer medialen Sprachrohre eines beigebracht hatten, dann war es das Dogma, dass nur im Rock 'n' Roll die "echten" Musiker zu finden seien, die unter Einsatz von Blut, Schweiß und Tränen ihr Leben dafür opferten, echte, wahre, reine, handgemachte Musik spielen zu dürfen. Verglichen mit dem Musikverständnis eines Jason Swinscoe, seiner musikalischen Weitsicht und seiner Vision, seinem Gespür für Bewusstsein, Geschichte und Auftrag, für Schattierung, Reflexe und Ambiance, erscheint das Rambazamba von der anderen Seite fast wie Trump'sche Höhlenmalerei. 

Ich saß vor vielen Jahren mal mit dem freien Journalisten Jan Künemund in einem Berliner Kneipenboot beim Absacker; unsere Wege kreuzten sich in Frank Schindelbecks Jazzforum über unsere Begeisterung und Faszination für den Jazz - über den Jan übrigens so gut schreiben kann, wie sonst niemand in der Republik, es ist fast schon demütigend, uff. Jedenfalls, auf meine Einlassung hin, just im absoluten Hardcorefieber zu sein, weil mir mein MP3-Player auf der Zugfahrt in die Hauptstadt ein Album der US-amerikanischen HC-Band Since By Man reinshuffelte, hörte ich ein sich offensichtlich unter Schmerzen herausgequältes "aber das ist doch so stumpf?!" von der anderen Seite des Tischs an mein Ohr dringen. Nur damit hier keine Missverständnisse aufkommen: Stumpf is my house! Forever Stumpf und Stumpf Forever! 

Aber es sind jene Momente wie das bewusste Zuhören bei "Motion", die mich an diese Situation denken lassen. Weil hier jeder Pianoanschlag, jedes Beckenrascheln, jedes Schnarren einer Basssaite, jedes staubige Sample einer kratzenden, alten Schallplatte, jede davon ausgelöste Soundreflektion ein Universum ist. 

Als ich "Motion" nach langen Jahren der erfolglosen Suche nach einer bezahlbaren Vinylversion im Jahr 2020 endlich auf dem Plattenteller liegen hatte und dem Album im Rahmen meiner leider nur kurzlebigen "Die besten Second Hand-Funde"-Serie einen erneuten Besuch abstattete, schrieb ich:

"Mein erstes Zusammentreffen mit "Motion" muss wie bei "In Between" des Berliner Kollektivs Jazzanova etwa zur Mitte der nuller Jahre stattgefunden haben; einer sehr turbulenten Zeit, in der sich mein Leben praktisch alle zwei Wochen neu erfand - und neu erfinden musste. Ich entdeckte elektronische Musik, ich entdeckte Jazz und irgendwie entdeckte ich mich dabei selbst mehr und besser als in den vorangegangenen 28 Jahren. Die innere Befreiung, dass es mehr zu sehen, denken und fühlen gab, öffnete mich im Außen für Inspiration und Neugier. Es brauchte in diesem Zustand keine besondere Anstrengung, mich in einem Album wie "Motion" gleichermaßen zu spiegeln und zu verlieren. Die Atmosphäre aus verdichtetem cut-and-paste Jazz und grobkörniger Electronica entwickelt eine unnachahmliche Dringlichkeit und wirkt spätestens beim Höhepunkt "Night Of the Iguana" wie ein Film Noir-Soundtrack from outer space: fremdartige Bewegungen aus der Tiefe der Nacht, des Raums und der Zeit. Fanfaren, Drama, Kontemplation und Exzess."

Es wird niemals kein Erlebnis sein, diese Platte hören zu dürfen.

Vinyl und so: "Motion" wurde nach der 1999er Erstpressung in den Jahren 2013 und 2020 erneut auf Vinyl veröffentlicht. Die Aufmachung mag etwas minimalistisch sein (ich gönne so einer Platte gerne ein bisschen mehr Lametta), aber der Klang ist super. Für um die 30 Euro sind die Represses aktuell noch zu bekommen. 

Weiterhören: "Every Day" (2002), "Ma Fleur" (2007)

Erschienen auf Ninja Tune, 1999.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #154: I Mother Earth - Dig (1993)

I MOTHER EARTH - DIG

"Franz Beckenbauer, die Schlichtgestalt des deutschen Fußballs." (Volker Pispers)

Wer kennt sie nicht, die sehnsuchtsvollen Kommentare auf Youtube unter jenen Videos, die auch nur entfernt etwas mit dem Programm des ehemaligen Musiksenders MTV aus den 1980er und 1990er Jahren zu tun haben; irgendwas mit "Als das 'M' in MTV noch für Musik stand!" (nebenbei, für was steht's denn eigentlich heute?) oder, noch ein bisschen bescheuerter "Als das Fernsehen noch gut war!" - da pflügt die kognitive Dissonanz mal wieder mit einer Armee von Mähdreschern durch die Faszienplantage im Dachgeschoss. Nicht, dass ich den nostalgischen Reflex dahinter nicht verstehen könnte, ich bitte Sie, schauen Sie sich doch hier mal bitte um?! Dennoch war MTV für die besser informierten unter uns, oder passender: für die pessimistischen, überkritischen Armleuchter, für die selbst die rosaroteste Wolke des Universums nie den richtigen Farbton treffen konnte, der Klassenfeind. Industrie, Kommerz, Manipulation, Konsum, Verdrängung von Subkulturen und derer Schutzräume, mediale Gleichschaltung, ein von vorne bis hinten korruptes und verlogenes Investoren-Monstrum, das ein paar potemkinsche Dörfer aus Musikvideos vor die verwüsteten Landschaften aus Werbeblöcken setzt. Andererseits: wenn die Sonne der Kultur niedrig steht, werfen selbst Zwerge lange Schatten, und interessanterweise ist das in Sachen MTV damals wie heute eine Wahrheit. Damals gab es für viele von uns nun mal nicht viel anderes, heute gibt es hingegen irrsinnig viel, und irrsinnig viel Irres (i.S.v. absurd durchgedrehtes) obendrein. Dass man sich angesichts desolater Zustände heutiger Kulturräume an die vermeintlich "gute, alte Zeit" zurückerinnern möchte, weil's in den letzten 35 Jahren qua Kapitalismus, Rentenlücke, RTL 2 und zur schlechter Letzt auch noch Fotzenfritz, wir lassen auch echt nichts aus, intellektuell wie moralisch in den Keller ging, ist so verständlich wie erwartbar. But it's the system, stupid. 

Und genau dieses System sagte mir und vielen anderen in den frühen neunziger Jahren, die Sendung "Headbangers Ball" auf MTV anzuschauen, es habe sich schließlich so viel Mühe gemacht, mir diesen fantastisch funkelnden Glitzerstaub in die Augen zu streuen, ich soll doch mal bitte nicht so undankbar sein. Die haben da immerhin Vanessa Warwick in ein mit Totenköpfen und schwarzen Kerzen verziertes Fernsehstudio oder eine matschige Festivalwiese hingestellt, die für die maximal analysierte und also vor allem männliche Fokusgruppe nicht nur attraktiv, sondern auch charmant - Schnittmengen, so wichtig! - für viele Jahre DAS Gesicht MTVs für die europäischen Metalfans wurde. Die Amerikaner bekamen stattdessen in der populärsten Phase der Show zwischen 1990 und 1995 den Dude Riki Rachtman, wegen Identifikation auf Augenhöhe oder sowas. 

Und eines schönen Sonntags, Florian war 16 und durfte immerhin noch die erste Stunde des erst spätabends ausgestrahlten Programms sehen, stellte Vanessa I Mother Earth vor, eine neue Band aus Kanada, die just ihr Debutalbum "Dig" veröffentlichte. Es gab ein kleines, vielleicht fünfzehnminütiges Feature (Capitol Records ließen sich bestimmt nicht lumpen) mit Interviews und Hintergründen, außerdem das Video zur ersten Single "Rain Will Fall". Ich will nicht übertreiben, das war kein "Smells Like Teen Spirit"-Moment, in dem mir gleich der ganze Sicherungskasten durchknallte, aber es marschierte deutlich in jene Richtung musikalischer Blattschüsse, die einen zunächst sprachlos vor der Glotze sitzen ließen und anschließend einen umgehenden Besuch im Frankfurter Musikladen nach sich zogen. Über das funkige Hauptriff, den entfesselten Drive, einen ikonischen Refrain und einen bemerkenswert talentierten Sänger kann man sprechen, worüber allerdings ganz sicher gesprochen werden muss ist das nach zwei Minuten gesetzte Break, das in einen mit perkussiven Latin-Elementen zugeballerten Mittelteil übergeht, der die Temperatur stetig in Richtung Saunaaufguss mit Grillanzünder eskalieren lässt, bis die Auflösung schließlich im erneut alles überstrahlenden Refrain endet. 

Von den krampfhaften Versuchen abgesehen, in solch euphorisierten Zuständen halbwegs die Contenance zu bewahren, kommen darüber hinaus, und nicht zuletzt wegen der enormen Dynamik des Songs, zwei Aspekte ins Sichtfeld. Erstens: I Mother Earth reihen sich nicht nur in die Liste jener technisch herausragend guter Bands der damaligen Zeit ein, sie setzen sich in meiner Rangliste locker in die Top 3. Sie spielen und singen wie die Teufel. Das immer noch gerne gesetzte Narrativ der Boomer-Musikerpolizei, das Gros der Alternative Bands der 90er Jahre hätte nicht richtig spielen können, war und ist einfach ein großer Irrtum. Zweitens: Das ist eine Referenzproduktion. Der Grund: Produzent Mike Clink, der 1993 nicht zuletzt durch seine Arbeiten mit Guns 'N Roses auf "Appetite For Destruction" und den beiden "Use Your Illusion"-Alben mittlerweile in die Champions League der Klangmagier aufgestiegen war. Und Clink hatte auf "Dig" eine ganze Menge zu sortieren, denn bei aller Modernität ihrer Musik sind I Mother Earth vor allem im Kontext der damaligen musikalischen Großwetterlage ungewöhnlich komplex und verspielt. Ich bin mir sicher, dass Clink einige schlaflose Nächte mit der Frage verbrachte, wie sich die Virtuosität dieser Band, die so selbstverständlich Funk, Latin, Metal und Psychedelia vermischte, halbwegs unter Kontrolle bekommt, ohne sie ihrer Energie zu berauben. "Alternative Progressive" hat sich als Genrebezeichnung offensichtlich nicht durchgesetzt, und zugegeben: so wahnsinnig viele passende Vertreter wären hier auch nicht einzusortieren gewesen. I Mother Earth hingegen schon - und das nicht nur auf "Dig". Auch ihre späteren Alben "Scenery And Fish" (1996, Doppel-Platin in Kanada), "Blue Green Orange" (1999, erstmals mit dem neuen Sänger Brian Byrne) und "The Quicksilver Meat Dream" (2003, ein komplexes und leider ziemlich untergegangenes Meisterwerk mit atmosphärischen Parallelen zu Tool - kein Wunder: als Produzent fungierte David Botrill) bekamen allesamt deutliche Elemente des Progressive Rock eingehäkelt. 

Das fanden wohl auch die Progressive Rock-Dinos von Rush, die sich bei den 1994 stattfindenden Juno Awards in der Kategorie "Best Hard Rock Album" ihren Landsmännern geschlagen geben mussten und die Band in der Folge gleich mehrfach als Support-Act für ihre Tourneen einlud. I Mother Earth-Sänger Edwin bekam außerdem von Rush-Gitarrist Alex Lifeson für sein Mittneunziger Projekt Viktor das Mikrofon in die Hand gedrückt, und Geddy Lee spielte auf dem Album "Blue Green Orange" seinen Bass für den Song "Good for Sule".

I Mother Earth lösten sich zur Mitte der 2000er auf, um sich 2012 für Liveshows und kurze Tourneen wieder zusammen zu finden. Neue Musik darf man von der Band abseits von zwei im Jahr 2015 erschienenen Singles wohl nicht mehr erwarten, ebenso wenig Hoffnung dürfte es für die handgezählten 17 Fans aus Europa geben, das Quartett mal live zu bestaunen. Wir müssen uns also mit ihren vier durchweg fantastischen Alben begnügen. Keines davon wurde in den letzten 25 Jahren langweilig, und ich denke, wir sind auch für die nächsten 25 Jahre ganz gut gewappnet. 

Vinyl und so: Alle Alben erschienen ausnahmslos auf CD und bislang gibt es leider keinerlei Anzeichen, dass sich dieser Umstand in absehbarer Zeit mal ändern könnte. Wer die Musik von I Mother Earth auf Vinyl genießen möchte, muss auf eine 10"-EP (1993) und eine 10"-Single (1996) ausweichen, aber aufgepasst: auf der US-Version der 1993 erschienenen EP stehen nur drei Songs, während die europäische Variante immerhin sechs Titel bietet, allerdings mit zwei Überschneidungen. Komplett bescheuert. Ich habe freilich beide Versionen im Schrank stehen, aber ich bin ja gleichfalls bescheuert. 

Weiterhören: "Scenery And Fish" (1996), "Blue Green Orange" (1999), "The Quicksilver Meat Dream" (2003)

Erschienen auf Capitol Records/EMI Canada, 1993.