Iron Maiden - The Book Of Half-Assed Souls

IRON MAIDEN - THE BOOK OF SOULS

- PROLOG -

Wer meinen kleinen Blog nicht erst seit gestern beobachtet, dem wird meine mittlerweile in voller Blüte stehende Hassliebe zur britischen Heavy Metal Legende Iron Maiden durchaus geläufig sein. Liebe, weil das Flagschiff einst dafür verantwortlich war, dass der kleine Florian auf den Pfad der elektrisch verstärkten Gitarre einerseits und großer, bunter, Mutti Angst machender Monster andererseits gebracht, und also Roland Kaiser nahezu wortwörtlich eingemottet wurde - jedenfalls seine Platten. Liebe aber auch deshalb, weil mein erstes besuchtes Rockkonzert jenes von Bruce Dickinson in der Frankfurter Batchkapp war, das zweite von Iron Maiden in der Frankfurter Festhalle gespielt wurde, und weil ich den Buben über fünfundzwanzig Jahre hinweg beinahe völlig blind folgte und so gut wie alles abnickte, was sie mir zum Fraß vor die Füße warfen. Und wenn es, ganz besonders im Rückblick, ein noch so großer, bitterer Haufen "Gammelmusik mit X, das war wohl nix" - pun intended - war: ich liebte und kaufte alles. 

Die Sache mit dem Hass ist schwieriger zu erklären, aber ich habe es zumindest hier und da versucht, zu erläutern. Der Versuch einer Kurzform: Iron Maiden sind nicht erst seit heute, aber es zeigt sich offensichtlicher als früher, ein millionenschweres Wirtschaftsunternehmen mit perfekter Vermarktung, dessen erstes Ziel es schon lange nicht mehr ist, besonders kreative Musik zu erfinden; eine Einlassung, die sämtliche Widersprüche beinhaltet, die aus dem Spannungsfeld zwischen prominent dargestellter Fannähe und dem "Höher, Schneller, Weiter"-Prinzip von BWL-Studenten entstehen können. Das wissen sowohl die beiden Managementköpfe Andy Taylor und Rod Smallwood, als auch Chef-Jungfrau Steve Harris, die sich längst allesamt ein ganzes Kaufhaus in der Größe einer Pazifikinsel mit goldenen Nasen drin kaufen könnten. Ich neide ihnen das nicht, denn eine Band - eine Heavy Metal Band zumal, die zu keinem Zeitpunkt ihrer Karriere und somit anders als beispielsweise Metallica mit "Nothing Else Matters" oder AC/DC mit "You Shook Me All Night Long" ein millionenfaches Mainstreampublikum erreichte - über einen Zeitraum von über 35 Jahren nicht nur an die Spitze zu führen, sondern sie auch noch dort noch für die nächsten geschätzten 3,4 Millionen Generationen einzubetonieren, und dabei über die gesamte Karriere hinweg als glaubwürdig zu gelten, ist eine wirklich unfassbare Leistung. Das ist ihr Lebenswerk, und ich muss davor alle verfügbaren Hüte ziehen. 

All das führt auf der anderen Seite auch dazu, dass man erstens sein Publikum ganz genau kennt (und kennen muss), und zweitens weiß, dass man sich auf dem Niveau, auf dem sich Maiden allerspätestens seit der Reunion mit Sänger Bruce Dickinson und Gitarrist Adrian Smith im Jahr 1999 bewegen, künstlerisch keine Beine mehr ausreißen muss, um die Stadion- und Arenashows auszuverkaufen, die in Zeiten von Download- und Streamingangeboten sowieso bedeutend lukrativer sind als Plattenverkäufe. 

Beide beschriebenen Pole sind aus meiner Sicht notwendig, um sich dem kürzlich erschienenen neuen Album "The Book of Souls" zu nähern, denn die Konsequenz ist offensichtlich: ich schaue Maiden ganz besonders gerne über die kreative, kommerzielle und strategische Schulter und kann für beide Extreme gleichermaßen leidenschaftlich werden.

- DAS OBJEKT - 

Mit "The Book Of Souls" hat die Band erstmals in ihrer Karriere ein Doppelalbum veröffentlicht. Aufgenommen im Sommer/Herbst 2014 in Paris unter der Regie von Kevin Shirley, bietet das Opus überdenkenswerte 92 Minuten neuer Musik, die ebenfalls erstmals fast vollständig im Studio geschrieben wurde.  Schenkt man den Worten von Gitarrist Dave Murray Glauben, war der kreative Songwritingprozess gar so ergiebig, dass die Truppe die Sessions willentlich abbrach, weil sie ansonsten zuviel Material geschrieben hätte - und das geht bei Iron Maiden nun wirklich nicht, denn die Stechuhr hat gerufen, und die B-Seiten der Singleauskopplungen werden gefälligst mit überflüssigen und unausgegorenen Demoversionen vollgenagelt, die man in irgendeiner Rumpelkammer seit Jahren am Rumgammeln hat. Wäre ja sonst alles noch schöner. 

Es gibt noch mehr Außergewöhnliches zu erzählen. Auf "The Book Of Souls" finden sich insgesamt elf neue Songs, von denen ganze vier ohne Beteiligung des Bandleaders und Bassisten Steve Harris entstanden, ein angesichts Harris' Charakter als sturer Controlfreak beinahe revolutionärer Wert: das letzte Mal, als es eine ähnliche Anzahl von "No Steve"-Songs auf ein Maiden-Album schaffte, schrieben wir das Jahr 1992 und die Platte hieß "Fear Of The Dark". Damals waren es gar fünf Kompositionen, die sich die übrigen drei Songwriter Murray, Gers und Dickinson auf die Fahne kritzeln durften und was dabei herauskam, wissen wir heute: ein orientierungsloses, zerfahrenes Werk, das streng genommen nur wegen des alles überstrahlenden Titelsongs eine Daseinsberechtigung hat; Text und Musik übrigens Steve Harris, bitte, danke. 

Diesen Fehler sollte Harris bis in das Jahr 2015 nicht mehr zulassen. Auf den nächsten sechs Studioalben, vom 1995er "The X-Factor" bis zu "The Final Frontier" aus dem Jahr 2010 ließ der Bassist insgesamt nur drei Tracks durch die Qualitätskontrolle wurschteln, die ohne seine Beteiligung komponiert wurden: "Man On The Edge" von "The X-Factor", "Como Esta Amigos?" von "Virtual XI" und die Nicko McBrain Premierenidee "New Frontier" auf "Dance Of Death". In einem aktuellen Interview zu "The Book Of Souls" im britischen Metal Hammer sprach Harris davon, zwei ihm sehr nahe stehende Menschen verloren zu haben, was die Aufnahmen zu "den schwersten seiner Karriere" machten. Was nebenbei eine Erkenntnis ist, die der GRÖBAZ bereits nach den Aufnahmen zu "The X-Factor" in jedes Journalistenmikrofon trompetete, weil er im Scheidungsprozess mit seiner damaligen Ehefrau steckte.  

Auch in Sachen Songwriting und - im weitesten Sinne - Sound gibt es die ein oder andere Überraschung, die so nicht zu erwarten war: der Opener "If Eternity Should Fail", von Bruce Dickinson im Alleingang und ursprünglich für eines seiner Soloalben geschrieben, brachte das Sextett zum ersten Mal dazu, die Gitarren mittels des "Dropped-D"-Tunings herunter zu stimmen - unter großen Schmerzen und Bedenken zwar, aber immerhin. Wer auch nur ahnt, wie groß die Angst der Band mittlerweile ist, ihre Anhänger Schrägstrich Kontostände mit derlei Experimenten zu verunsichern, und seien sie noch so schreiend banal, wie beispielsweise eine verfluchte Gitarrensaite einen Ton nach unten zu stimmen, kann ermessen, welche Kämpfe ausgefochten werden mussten. Zweiter großer Hinhörer: der über 18-minütige Schlusspunkt "Empire Of The Clouds", von Dickinson ebenfalls im Alleingang über mehrere Jahre ausgebrütet und nun für "The Book Of Souls" zum Leben erweckt, ist nicht nur der längste Maiden-Song aller Zeiten, sondern auch der erste, der ein Klavier präsentiert. Dazu aber später mehr.

Auch für Dickinson selbst waren die Aufnahmen bemerkenswert: kurz nach Abschluss der Sessions wurde bei ihm ein bösartiger Tumor in der Größe eines Golfballs an der Wurzel seiner Zunge festgestellt, zusätzlich hatte auch ein Lymphknoten etwas abbekommen. Als er im Mai 2015 von seinen Ärzten grünes Licht bekam, hatte der 57-jährige Sänger eine mehrmonatige Chemotherapie- und Bestrahlungstortur hinter sich, von welchen er sich aktuell erholt - und gemessen an den bislang gesehenen Videointerviews hat es die Air Raid Siren auch bitter nötig. Das heißt aber auch: Dickinson hatte während der "The Book Of Souls"-Aufnahmen einen Golfball im Hals, mit dem er sang. Das kann man diskussionswürdig finden. 

Tatsächlich produziert seine Stimme die erste wirkliche Auffälligkeit dieses Albums, eine, die man sich fast nicht auszusprechen traut: der Mann wird alt, und dies ist die erste Platte, auf der man es deutlich hört. Sein gesamtes Timbre klingt rauher, dunkler und gerade in höheren Lagen auch signifikant schwerfälliger. Das ist nicht tragisch, weil er immer noch fast jeden anderen Sängerdarsteller an die Wand singt; außerdem schwärmte die Band in diesem Zusammenhang auch von der Motivation und dem Antrieb Dickinsons, der im Studio darauf bestand, keine Tricks anzuwenden - weder elektronische, noch analoge. So erzählte Gitarrist Adrian Smith, Dickinson habe es vehement abgelehnt, die Songs in eine andere Tonart zu transponieren, um seiner Stimme damit entgegenzukommen. Nur bei den letzten Strophen seiner erwähnten Mammutkomposition "Empire Of The Clouds" stößt Dickinson hörbar an seine Grenzen.

- DAS SUBJEKT -

Dass neue Platten großer und seit vielen Jahren existierender, erfolgreicher  Bands auf ewig mit ihren klassischen Frühwerken verglichen werden, ist Gesetz. Das ist selten sinnvoll, gerecht ist es hingegen fast nie. Die songschreiberische Lebensrealität von einem 20jährigen, dem die Welt frisch zu Füßen liegt, ist eine andere als jene eines knapp 60jährigen, der schon vor 25 Jahren sämtliche Instrumente und Ambitionen an den Nagel hätte hängen können, um sich auf einer einsamen Insel dem Geschlechtsverkehr mit einem Kürbisfeld zu widmen. Auch Maiden gingen durch die ein oder andere Transformation in den letzten 35 Jahren, und wenn sich die Betonköpfe auch bis zum Sankt Nimmerleinstag "Alles wie immer!" schreiend im Kreis drehen wollen, so liegen sie damit immer noch falsch. Manche Justierung des Maiden-Sounds war subtil, manch andere überdeutlich - aber es gab sie. 

Seit dem 2000er Reunionalbum "Brave New World" sind wir eher im Subtilen angekommen: die Band scheint ihren Sound nach den drei bis vier großen Zäsuren ihrer Karriere, die fast immer mit signifikanten Lineup-Wechseln einhergingen, endgültig gefunden zu haben: Die Besetzung bleibt seitdem stabil, hinter dem Mischpult scheint es ebenfalls keine Veränderungen mehr zu geben und die kaum zu bändigende kreative Kraft, die Alben wie "Powerslave" oder "Somewhere In Time" möglich machte, ist mittlerweile auch erloschen. Variationen an dieser Post-"Brave New World"-Ausrichtung sind mittlerweile die absolute Ausnahme. Stattdessen hat man es sich in einer netten und außerdem gut bezahlten Sitzecke bequem gemacht, die einen kompositorisch progressiven Ansatz aus teils überlangen Songs und ausladenden Instrumentalpassagen mit einem straightem Rock- und Metal-Gemisch verbindet, der vor allem im klanglichen Bereich und der grundlegenden Ausrichtung einer Produktion von Kevin Shirley auffällig im Seventies Rock verwurzelt ist. 

In dieser Hinsicht sind die nun fünf Post-Reunionalben durchaus miteinander zu vergleichen, qualitativ hingegen hat die Band mal bessere, mal schlechtere Momente: einem guten Album wie "Brave New World", auf dem allerdings nach 15 Jahren auch nicht mehr alles so richtig irre hell glänzt, folgte ein fast durchgängig Desinteressiertes und erschreckend Kleinkariertes wie "Dance Of Death". Auf "A Matter Of Life And Death", das den Sechser im kreativen Hoch und in voller Kraft zeigte, folgte mit "The Final Frontier" immerhin die erste Maidenveröffentlichung in 25 Jahren, die ich nicht mal in Erwägung zog, zu kaufen. Gäbe es nicht das bodenlose "Virtual XI", hätte diese furchtbare Platte zweifellos erstklassigen Anspruch auf die rote Laterne in ihrer Diskografie. 

Es ist selbst für einen wie mich, der Iron Maiden praktisch in- und auswendig kennt und angesichts dessen auch wirklich nicht mehr viel erwartet, eine dicke Überraschung, dass "The Book Of Souls" die erwähnte Berg- und Talfahrt konsequent fortsetzt - dieses Mal eben wieder in die richtige Richtung und das zumindest für die ersten 60 Minuten. Die erste Albumseite ist trotz der beinahe gewohnten Unzulänglichkeiten wie dem grotesken Intro/Outro-Quatsch mit teils erschütternd unbeholfenen Breaks, der vor allem im Schlagzeugbereich nicht wirklich sattelfest klingenden Produktion, das minutenlange und wenig gekonnte Auswalzen einer halben Handvoll Ideen, die nie dagewesene Zitatesammlung von "Rime Of The Ancient Mariner" über "Moonchild" und "Losfer Words" bis hin zu "The Clansman" und "Man On The Edge", den etwas peinlichen "Ohohohoooo"-Chören, den bereits 1988 veraltet kligenden, aber immer noch stur eingesetzten Keyboardsounds und den deutlich hörbaren Timingschwankungen Nicko McBrains, die besten knapp 50 Minuten Musik dieser Band seit - Achtung, festhalten: "Seventh Son Of A Seventh Son". Wohlwissend, dass ich mir dann diesen Tweet, rausgehauen immerhin fünf Tage vor Albumveröffentlichung, schön ans Knie nageln kann:

Seit 25 Jahren wird jedes neue Maiden Album mit "OMFG! DAS BESTE SEIT 7th SON!" angekündigt - und immer steht man damit knietief im Nichts.

— Flo (@3_40qm) 30. August 2015

Andererseits bin ich der erste, der die eigenen Fehler mit Freude zugibt. Ich drehe diese sechs Songs seit knapp drei Wochen durch den Florian'schen Ohrenwolf, raufe mir über so manche Stelle auch wirklich immer noch die Haare (ganz besonders erschreckend: das hilflos zusammengestümperte Break in "The Great Unknown" vor dem ruhigen Outro bringt mich jedes Mal zur Ra-ser-ei!), kann mich andererseits aber auch nicht dagegen wehren, diese Songs immer und immer wieder hören zu wollen. Selbst die vorab veröffentlichte und nicht gerade Begeisterungsstürme verursachende Single "Speed Of Light" ist im Albumkontext eine frische, topmotiviert klingende und satte Hau-Den-Lukas-Hymne, ohne die Tradition harmloser Tralala-Singles wie "Wildest Dreams", "Rainmaker" oder "Different World" fortzuführen. Auch sonst: Unwiderstehliche Gitarrenduelle, ergreifende Melodien, eine hellwach klingende Band, bisweilen überraschend komplexe Strukturen in insgesamt großartig komponierten Songs. 

Die zweite Seite fällt dagegen etwas ab. "Death Or Glory" und "Shadows Of The Valley" sind noch gute Rocker, die Probleme beginnen bei "Tears Of A Clown", ein fürchterlich getexteter Vorstoß in seichte Gewässer der "Wasting Love"-Liga, dem nicht sorgfältig auskomponierten Beitrag von Dave Murray "The Man Of Sorrows" und Dickinsons "Empire Of The Clouds", das in Gänze das Problem mit den Iron Maiden des 21.Jahrhunderts demonstriert. In Sachen Ideengebung und Song- und Soundästhetik, also das, was eine Produktion in meinen Ohren wirklich ausmacht, das exakte Zuschneiden von Klang und Atmosphäre, das wirkliche Erkennen der Richtung eines Songs - da versagen Shirley und/oder die Band in den letzten Jahren. Die zweifellos zu erkennende Dramaturgie von "Empire Of The Souls" wird zu keinem Zeitpunkt der 18 Minuten eingefangen: die Keyboards und Streicher klingen dünn und unausgereift, als Piano verwendete man tatsächlich nur ein MIDI-Keyboard, das auch genau so klingt, wie ihr es euch jetzt vorstellt und die Gitarren wirken gerade dann, wenn man aufgrund des Storytellings hofft, dass es jetzt endlich mal ordentlich losbatscht, wie ein Schatten ihrer selbst. Das ist nicht kreativ, nicht detailliert, nicht konsequent, sondern eher auf halbem Wege stehen geblieben und - dare I say it: lieblos. Es ist kein Wunder, dass einige Fans eine Nähe zum Billo-Pompös-Quatsch der 90er Jahre-Alben von Savatage erkennen, denn auch deren Produzent Paul O'Neill, der es mittlerweile durch die Kitschbombe des Trans-Siberian Orchestras zum mehrfachen Millionär gebracht hat, hat schon mal was von Effektivität und Effizienz gehört: minimaler Aufwand bei maximalem Ertrag. Oder umgekehrt, wie es eben beliebt. 

- EPILOG -

Maiden fahren seit Jahren nur mit halber kreativer Kraft, was insbesondere deshalb schreiend schade ist, weil die Ideen noch in ihnen toben. Kein Faulpelz dieser Welt würde sich einen 18-Minuten-Klumpen ausdenken, kein Sesselpupser ein durchdachtes Arrangement wie im atemberaubenden Titelsong - und welche Band, die ihre Zeit wirklich lieber mit Golfspielen und Angeln verbringt, weil sie eben keine Musik mehr machen muss, um ein finanziell sorgenfreies Leben zu führen, schreibt im Jahr 2015 noch ein 92-minütiges Doppelabum? Ein über weite Strecken auch noch ziemlich fantastisches dazu? 

Die Umsetzung ist indes eine ganz andere Diskussion, und da hat Shirley wohl ebenfalls der Karriere und dem Alter der Truppe angemessen keine Autorität wie sie ein Martin Birch in den achtziger Jahren hatte. Ein Martin Birch, der ganz besonders Bruce Dickinson über Tage in der Gesangskabine einsperrte, bis dieser vor Wut regelrecht glühte und den letzten finalen Take mit solcher Verve und Präzision einsang, dass Birch letztlich doch zufrieden nickte. Ein Martin Birch, der an dem Sound von Alben wie "Powerslave" und "Somewhere In Time" akribisch herumtüftelte, der mit der Band zusammen die Vision und die zu erzählende Geschichte zusammenpuzzelte. Die Zeiten sind längst vorbei. Heute trifft man sich für acht Wochen in Paris, winkt McBrain'sche Stockfehler genauso durch wie das weitgehend uninspirierte Solospiel von Dave Murray, und häkelt DEN Longtrack der Band eben so flott zusammen, dass die nächste Studiowoche nicht mehr gebucht werden muss und man wieder zu Weinkeller, Golfplatz und Flugzeughangar zurückkehren kann. Nicht, dass ich es nicht verstehen könnte - und Hawaii soll ja auch total schöne Ecken haben. 

Bei aller echter und aufrichtiger Begeisterung über die ersten 60 Minuten von "The Book Of Souls" und bei aller Akzeptanz, dass man es nach 40 nimmermüden Jahren im Musikbusiness auch mal ein bisschen ruhiger angehen kann - mich ärgert das. 

Weil ich die Band, und sei es auch nur ganz ein bisschen und möglicherweise vielleicht, dann doch immer noch zu sehr liebe.

Erschienen auf Parlophone/Warner Music, 2015.

Tout Nouveau Tout Beau (15)

+++ Noch mehr Schwanzrockalben eingetroffen +++ Situation außer Kontrolle +++ Angehörige eingeschaltet +++ "Ich möchte ein Kind von Dee Snider!" +++ Familienhund reicht Antrag auf Schutzhaft ein +++ Kalender auf September 1987 zurückgestellt +++ Freunde ratlos +++

TWISTED SISTER - LOVE IS FOR SUCKERS

Ich konnte nie etwas mit Twisted Sister anfangen. Die Einschätzung basierte auf einer Best Of-CD, die ich mir Mitte der neunziger Jahre für kleines Geld zulegte, um mich in ihrem Oevre mal salopp zu orientieren. Dort fehlten allerdings Songs dieses letzten offiziellen Twisted Sister Albums. In erster Linie, weil "Love Is For Suckers" ein veritabler Flop und die Band zum Zeitpunkt der Aufnahme heillos zerstritten war - weshalb das Album ursprünglich als Dee Snider Soloalbum geplant wurde und nur auf Druck der Plattenfirma unter dem Twisted Sister Namen erschien. Wie so oft: die wenig beachteten Alben sind die besten. Auf "Love Is For Suckers" lassen sich großartige, vor allem toll gesungene Hardrockhymnen finden, die mir viel besser gefallen als alles, was ich zuvor von der Band kannte. Wegen der Produktion von Beau Hill ist das Album zwar poliert bis zum Erdkern, aber selbst Dee Snider ist mittlerweile der Meinung, es beherberge "great, great stuff." - eine zutreffende Einschätzung. 

Überaus empfehlenswert sind außerdem die beiden Platten von Widowmaker, Sniders Post-Twisted Sister-Spielplatz: "Blood And Bullets" (1992) und "Stand By For Pain" (1994), stilistisch irgendwo zwischen pompös-klassischem Hardrock und Alternative-Herrlichkeit. Beide Scheiben sind physisch leider nur als CD erhältlich.

Erschienen auf Atlantic, 1987.

L.A. GUNS - HOLLYWOOD VAMPIRES

Fast auf den Tag zwei Monate vor Nirvanas "Nevermind" erschien mit "Hollywood Vampires" das dritte Album der L.A. Guns - eine Platte, die ich seit 24 Jahren kenne und die trotzdem noch in der Sammlung fehlte. Jetzt nicht mehr. "Hollywood Vampires" ist in erster Linie eine mit überraschender Tiefe, entspannter leicht & locker-Aura, vielen Gitarren-Layern, Keyboards und Bläsern grandios produzierte Platte, die hörbar wenig Wert auf Härte und Pose, sondern auf basisches, naturgeiles Songwriting legt. Praktisch jeder Song hat einen überlebensgroßen Refrain zusammengehäkelt bekommen, der Einstieg mit "Over The Edge" ist ungewöhnlich melancholisch und dadurch beeindruckend zugleich, und die Stimme von Sänger Phil Lewis ist sicher nicht beste der Welt, aber erholsam down-to-earth und überraschend klischeefrei. Einziger Makel: zehn Minuten weniger Musik hätten der Platte wirklich nicht geschadet. 

Den Rest übernahm dann der Grunge - aber wie schon bei Little Caesar gilt auch hier: die L.A. Guns existieren noch, sogar beinahe in Originalbesetzung und spielen regelmäßig Konzerte. 

Erschienen auf Polydor, 1991. 

BULLET BOYS - BULLET BOYS

Die Bullet Boys gehören zu der übergroßen Abteilung Bands, die nur für einen überschaubaren Zeitraum Ende der 80er Jahre kurzfristigen Erfolg hatten und danach kein Bein mehr auf den Boden bekamen. Ihr Debut "Bullet Boys" erschien im Herbst 1988 und wurde in Amerika für über 500.000 Einheiten bereits ein Jahr später vergoldet, doch schon mit dem 1991 und bereits im sich ankündigenden Donnergrollen des Grunge veröffentlichten Nachfolger "Freakshow" passierte fast gar nichts mehr. Auch die Bullet Boys spielen bis heute in natürlich veränderter Besetzung regelmäßg Tourneen und Konzerte in den USA. Einzig verbliebenes Gründungsmitglied ist Sänger Marq Torien, ein sehr umstrittener Charakter, und das nicht erst seit gestern: in der Dokumentation "Metal Evolution" sieht man die Band in einem Werbeteaser umheralbern, und ich glaube alleine anhand dieser 30 Sekunden sagen zu können, dass das alles nicht nur große Arschlöcher waren, es waren auch zugekokste große Arschlöcher. Wird der ganze Quatsch ausgeblendet, ist ihr Debut trotzdem eine lohnenswerte Investition, wenn eine Affinität zum typischen Ami-Schwanzrock der Jahre 1986 bis 1990 besteht. Wenig originell, die Songs am Reißbrett entworfen und überaus poppig produziert - aber eben auch sehr unterhaltsam mit großen Refrains und Melodien und ordentlichem Drive. Torien gibt dabei den "Geht's auch eine Nummer kleiner?"-David Lee Roth, und "Smooth Up In Ya!" einer der besten Songs der Hair und Glam Metal Bewegung. 

Erschienen auf Warner, 1988.

Tout Nouveau Tout Beau (14)

+++ Schlimmer Rückfall in Schwanzrockzeiten +++ Er kauft selbst Bon Jovi Alben +++ Frau Dreikommaviernull schockiert +++ Er braucht 7 Dosen Haarspray +++ Pro Stunde 

MAGNUM - VIGILANTE

Es dürfte bekannt sein: ich bin großer, großer Fan von Magnum, ganz besonders von der Stimme Bob Catleys, dem Gitarrenspiel von Tony Clarkin und dem ergreifenden Pathos ihrer Kompositionen. "Vigilante" erschien zwischen den Überalben "On A Storyteller's Night" und "Wings Of Heaven" im Jahr 1986 und bietet wie gewohnt feines, britisches AOR-Songwriting aus dem Bilderbuch. Und wo ich Bilderbuchalben erwähnte: das oben verlinkte "Goodnight L.A." gehört auch dazu.

Dass sie mit diesem Coverartwork für "Vigilante" allerdings wirklich durchgekommen sind, ist ein Skandal.

Erschienen auf Polydor, 1987.

LITTLE CAESAR - LITTLE CAESAR

Könnte wetten, dass sich Geffen mit der Band aus Los Angeles ordentlich verkalkulierten. Statt der angedachten nächsten angesleazten Arenarock-Sensation holte man sich eine nach Schweiß und Motoröl stinkende Rock'n'Roll Band ins Boot, und als selbst Produzent Bob "Bügeleisen" Rock nicht alle Kanten herausdampfen konnte, zudem die Nummer-Sicher-Singleauskopplung "Chain Of Fools", ein Aretha Franklin Cover, nicht einschlug, ging Geffen auf Abstand, stellte die Promotion ein und ließ den Fünfer versauern. Der Rausschmiss erfolgte nach dem zweiten, 1992 erschienenen Album "Influence" - da war aber auch schon der Grunge mit der Kettensäge durch die gesamte LA-Szene marschiert. "Little Caesar" ist eine satte Rock'n'Roll Scheibe mit großartigem Sänger und beeindruckender Hookline-Dichte. Die Band hat sich mittlerweile reformiert und spielt sogar regelmäßige Europatourneen. Kann auch nicht jeder von sich behaupten.

Erschienen auf Geffen Records, 1990. 

V.A. - SLEAZE ROCK - SMASH IT!

Eine in erster Linie für den deutschen Markt gedachte und überraschend kohärente Zusammenstellung einiger wichtiger Protagonisten des Sleaze Rock aus dem Jahr 1990. Musikalisch plumpsen eigentlich nur Hanoi Rocks aus dem Raster, die mit einem bereits 1983 aufgenommenen Stück vertreten sind, das alleine klanglich nicht mit dem Rest mithalten kann. Und ob die Holländer Fatal Flowers und die kleine Rauchgemeinschaft der Black Crowes wirklich der Sleaze Rock Szene angehörten, darf auch bezweifelt werden. Nichtsdestotrotz, Highlights gibt es genug und sie kommen von den üblichen Verdächtigen: Faster Pussycat, The Quireboys, Enuff Z'Nuff, The Dogs D'Amour, Skid Row und die Black Crowes ("Jealous Again"), während als Überraschung die Amis von Johnny Crash durchs Ziel stampfen. Eine sehr kurzweilige und unterhaltsame Scheibe mit nur maximal zwei Ausfällen.

Erschienen bei BMG Ariola, 1990. 

Ausgeräuchert

VETIVER - TO FIND ME GONE

Dark Hippie Folk für die Barfüßigen. Wenn du Nacht kommt, ist es Zeit für Vetiver. 

Vetiver ist ein ätherisches Öl, das aus den getrockneten Wurzeln des Khas-Khasgrases gewonnen wird. Seine Wirkung wird als entspannend, wärmend, aufbauend, erdend, stressabbauend, antidepressiv und stimmungsaufhellend wahrgenommen, sein Duft als geheimnisvoll, erdig und holzig beschrieben. Angewendet wird dieses Öl bei seelischen und nervlichen Verspannungen, Erschöpfungszuständen und Ängsten. Und es ist bestimmt kein Zufall, dass all das auch auf "To Find Me Gone", dem zweiten Album des Kollektivs Vetiver zutrifft. Im Kern gibt Andy Cabic den Ton an. Der Mann, der hauptberuflich im Devendra Banhart-Kosmos umherschwebte und mit dem Folkbarden die Welt bereiste, hat sämtliche Songs von "To Find Me Gone" geschrieben, sie aber von einem ganzen Haufen "good folks and friends"einspielen lassen. Jeder durfte mal ran, so dass sich nicht weniger als 21 Musiker auf der Liste aller Beteiligten tummeln. Folk Music Gang Bang.

Wieder mal Folk, also. Aber sehr angenehmer, dunkler, nocturner Folk mit deutlichen Singer/Songwriter Wurzeln. "To Find Me Gone" ist vielleicht sogar die Scheibe, die der Black Rebel Motorcycle Club nach seinem Zweitwerk hätte aufnehmen sollen, wenn sie schon in Richtung Akustikgitarren gehen wollten. Akustische Gitarren flirren auch auf Vetivers Album umher, umschwirren den Song wie die Motten das Licht. Es ist schon auffällig, wie sehr sich die Musiker bemühen, den Song nicht aus dem Fokus zu verlieren. Die große Gemeinschaft dieses Werks wird es schon richten. So schleicht Cabics Musik zwar leise, aber selbstbewusst durch die Lautsprecher und erzählt Geschichten über Nähe und Distanz und über die Zeit, die zwischen diesen beiden Worten den Sekundenzeiger unerbittlich nach vorne schubst. Cabic selbst nennt es ein "Album der Erinnerung um das Fernbleiben zu besiegen". 

"To Find Me Gone" wird nur ein einziges Mal laut. Im Outro von "Red Lantern Girls" kreischt und feedbackt eine elektrische Gitarre minutenlang außer Kontrolle umher und reißt die Platte ordentlich aus dem Zusammenhang. Ansonsten kann man es sich zwischen nokturnen Großtaten wie "You May Be Blue" oder dem fantastischen "Maureen" richtig gemütlich machen, das Licht löschen und die zerbrechliche Stärke dieses Albums bewundern. Es wandert barfuß auf Glasscherben umher, ohne sich zu verletzen. Störrisch, eigen und schön.

Erschienen auf FatCat Records, 2006.

Sex, Drugs & Rosenkohl - oder: der Weg zurück zum Vegetarier

Ich ernähre mich seit Dezember 2014 nicht mehr vegan. Nach zweieinhalb Jahren habe ich den Selbstversuch zumindest vorübergehend abgebrochen. Die Gründe sind komplex und nicht in drei Sätzen zu erläutern; sie sind jedoch alle im physiologischen Bereich zu suchen und weiter zu ergründen.

Im August 2012 entschloss ich mich, wie hier bereits erwähnt, nach über zweieinhalb Jahren als Vegetarier, den Schritt zum Veganer zu machen. Dem ging ein sorgfältiges Studium der Möglichkeiten und Risiken voraus, weil ich es unter allen Umständen vermeiden wollte, zu scheitern: ich halte die vegane Lebensweise damals wie heute nachwievor für richtig und wichtig. Was ich unterschätzt habe: meine eigene Krankheitsgeschichte nebst der seit nunmehr 12 Jahren andauernden Medikation mit Esomeprazol.

Die ersten Nachdenkfalten auf der Stirn gab es jedoch bei der Recherche über Nähr- und Mineralstoffe wie Eisen, Kalium, Zink oder auch Selen, und speziell darüber, wie leicht und locker die vegane Internetcommunity den ganz großen Kamm zur Hand nahm. Eisen? Kein Problem, einfach ein bisschen Quinoa, Spinat und ein paar Sprossen essen - fertig. Und ich dachte: cool, das bekomme ich schon auf die Reihe, richte ich meinen Essplan eben auch darauf aus.

"Aber das ist doch total anstrengend und aufwändig, immer die Zutatenliste zu checken!"

Zwei Klicks weiter sah die Welt schon wieder deutlich anders aus, tatsächlich ist die Eisenzufuhr hochkomplex - ich muss an dieser Stelle ausdrücklich betonen, dass Eisenmangel längst eine Zivilisationskrankheit ist und bei Weitem nicht nur Vegetarier und Veganer betrifft.

Bleiben wir beim Beispiel Quinoa:
Pflanzliche Lebensmittel beinhalten Nicht-Hämeisen, das zu etwa 2–20 Prozent vom Körper aufgenommen wird, je nachdem wie man die Lebensmittel miteinander kombiniert: bei gleichzeitiger Aufnahme von beispielsweise Vitamin C steigt die Chance, mehr Eisen aufnehmen zu können, die Kombination mit Kalzium, Hülsenfrüchten, Tee, Kaffee und interessanterweise Sojaprotein wirkt sich negativ auf die Eisenaufnahme aus. Um also auf meine benötigten 10mg Eisen pro Tag zu kommen, muss ich ganz schön rechnen: 100g Quinoa enthalten etwa 11g Eisen, bei der Annahme optimaler Eisenaufnahme von 20% (entspricht 2,2g) müsste ich also 500g Quinoa in mich reindübeln. Dummerweise enthält Quinoa mit 47mg auch einen ganzen Arschvoll an Kalzium - erzählt einem niemand, muss man sich selbst rausfummeln. Inwieweit sich nun die Eisenaufnahme durch die stattliche Menge Kalziums verringert, steht in den Sternen - und ich habe gleichzeitig die Kontrolle darüber verloren. Kombiniere ich den Quinoa dann noch mit einem Sojaschnitzel (=Sojaprotein) und Spinat (durch den hohen Anteil von Oxalsäure im Spinat ist die tatsächliche Eisenaufnahme stark gehemmt), wird's in Sachen Eisen ganz duster und das Lecken an der Straßenlaterne wird zur ernsthaften Option. Der obligatorische Disclaimer (1), bevor jemand weint: dass Quinoa, Sojaschnitzel und Spinat grundlegend gesünder sind als ein Big Mac ist mir klar, bitte keine Hassbriefe schreiben, es geht um Eisen.

"It's a dirty job, but someone's gotta do it."

Was mich daran in erster Linie störte, war die Verharmlosung - andere Beispiele zu Magnesium, Zink und Selen habe ich auf Anfrage auch in petto - nein, wir werden nicht alle sofort daran sterben und ja, jeder ist für sich selbst verantwortlich und vielleicht ganz bestimmt sehe ich das alles auch viel zu eng. Ich habe jedenfalls versucht, die Verantwortung zu übernehmen und mich, vielleicht sogar übermotiviert, durch den Ernährungsirrsinn geschlagen, weil ich wie gesagt jeden Fehler vermeiden wollte. Ich hatte nach einem halben Jahr, in dem ich wirklich wie ein Schießhund aufpasste und meinen Essensplan akribisch genau auf die größten Risikofaktoren und Schwachstellen ausrichtete, trotzdem einen kleinen Eisenmangel eingefangen, den ich mit der Einnahme von Eisensaft (etwa ein Liter pro Woche) schnell wieder wegbekam. Es kann also in manchen Fällen bedeutend komplizierter sein, als nur die Zutatenlisten zu checken. Manchmal muss man auch noch ein bisschen nachdenken. Der nächste Disclaimer (2): für mich war weder das Checken der Zutatenliste noch die eigenverantwortliche Recherche nach Nähr- und Mineralstoffen "anstrengend" oder "kompliziert", ich nahm das ganz im Gegenteil sehr selbstversändlich als "part of the deal" an, und muss auch zugeben, dass die Auseinandersetzung mit diesen Themen sogar Spaß machte. Ich habe darüber hinaus auch noch nie soviel über Ernährung und meinen Körper gelernt.

"Wie kommt Kuhscheiße aufs Dach?"

Zwei Jahre nach Beginn meiner veganen Ernährung wurde im Rahmen einer Routineuntersuchung in der Praxis meiner Hausärztin ein ausgesprochen hübsch erhöhter Bluthochdruck von bis zu 270/160 festgestellt. Die hektisch angeleierte Diagnose ergab, dass mein Herz bis auf gelegentliche Stolperer in bester Ordnung ist, und die Nieren bis auf eine kleine Nebenniereninsuffizienz links (danke, Chemotherapie!) ebenfalls unauffällig ist. Nierenkrankheiten können für Bluthochdruck verantwortlich sein, deswegen werden die Nieren in dem Zusammenhang auch sofort überprüft. Alle eingeschalteten Ärzte zuckten mit den Schultern: vegane Ernährung, praktisch kein Alkoholkonsum, dezentes, aber irrelevantes Übergewicht -

"Woher kommt denn der Scheiß?"
"Tja, Herr Dreikommaviernull, wie kommt Kuhscheiße aufs Dach? Hier sind Tabletten, viel Spaß damit." 

Und weil die Schulmedizin in handgeschätzten und mundgeblasenen 999 von 1000 Fällen einen Bluthochdruck nicht erklären kann, hat man dem Kind gleich einen Namen gegeben: der primäre Bluthochdruck. Der kommt eben mal vorbei. Und wenn wirklich alle Stricke reißen, dann ist's eben vererbt. Case closed.

Ein ähnliches Erlebnis hatte ich übrigens auch mit meinen erhöhten Triglyceridwerten (anderer Arzt, andere Zeit):

*konfus* "Woher kommen die denn, Frau Doktor?
*triumphierend* "Tjaha, ganz einfach! Weniger Fleisch, weniger Käse, weniger Alkohol, Herr Dreikommaviernull!"
*fassungslos* "Äh, ich ernähre mich vegan. Und Alkohol trink ich zwei Mal pro Monat."
*??* "Hm."
*!!* "Ja. Hm."
*souverän* "Dann ist's vererbt."

Ein offenes, dafür nicht überraschendes Wort: ich kann das nur ganz schwer akzeptieren. In meiner Welt hat es da gefälligst eine Ursache zu geben, vor allem für einen solch signifikant erhöhten Blutdruck. Ich schieb's gerne und jederzeit auf meine eigene Unzulänglichkeit, aber ich bin unfähig, es einfach so hinzunehmen. Ich saß bei Kardiologe Nummer 3 in der schicken Snob-Praxis im Frankfurter Westend und löcherte ihn mit meinen Fragen. Der Todesstoß:

"Kann eine vegane Ernährung für Bluthochdruck verantwortlich sein?"
"Hm. Nein."
"Und wie steht's mit einem Vitamin B12 Mangel?"
"Hm."
"Weil ich hätte da einen im Angebot..."
"Hm."
"..."
"Normalerweise nehmen wir den B12-Wert bei der Blutuntersuchung nicht ab. Aber lassen sie mich mal in mein Buch schauen."

*blättert ziellos für 7 Sekunden darin herum*

"Nein, hier steht nichts. Sie können davon ausgehen, dass das damit nichts zu tun hat. Herr Dreikommaviernull, ab und an passiert eben sowas. *joviales lächeln* Ich selbst habe auch Bluthochdruck. Ich nehme zwei Tabletten am Tag und zack! - Mir geht's total prima. Machen sie das auch, sie können damit ganz hervorragend leben. Es macht in ganz vielen Fällen keinen Sinn, nach der Ursache zu suchen. Akzeptieren sie es einfach."

Ich akzeptierte es nicht. Aber an wen sollte ich mich jetzt wenden, wenn alle nur den Weg in die Apotheke beschilderten? Hinzugezogene Heilpraktiker und Ernährungsberater wussten auch keine Antwort. Recherche auf eigene Faust? You bet!

Rückblick

Ich hatte es an anderer Stelle in diesem Blog schon mal irgendwo und -wann erwähnt: im Sommer des Jahres 2000 wurde bei mir ein Hodentumor am linken Hoden zunächst entdeckt und dann mitsamt Hoden entfernt. Nach ca. 20 Monaten "Wait & See", also engmaschiger Blut- und Ultraschallkontrollen, zeigte sich die Krebs-Mistsau erneut in Form einer mittlerweile handballgroßen Metastase im linken Abdomen. Was folgte waren die dunkelsten acht Monate meines Lebens mit vier Zyklen Hochdosis-Chemotherapie und einer an- und abschließenden Operation, in deren Verlauf mir die vormals befallenen Lymphbahnen im linken Rücken entfernt wurden. Das Ergebnis war indes erfreulich: die dumme Drecksau war besiegt und ich bin bis heute clean. Als Nachwirkung dieses Irrsinns nehme ich allerdings seit 2003 täglich mindestens 40mg Esomeprazol, und das kam so: Im Verlauf des zweiten Chemo-Zyklus bekam ich plötzlich sehr starke Schulterschmerzen (natürlich links, bei mir ist links ja bis auf das politische Weltbild alles am Arsch) "unklarer Genese", heißt: niemand konnte sie sich erklären. Nach Durchlaufen des kompletten Diagnoseverfahrenlabyrinths zuckten meine Ärzte immer noch mit den Schultern, und da selbst das Morphium, das mir wegen der Tumorschmerzen in rauhen Mengen in die Venen geballert wurde, keine Linderung für die Schulter brachte, hielt man das Phänomen hinter vorgehaltener Hand für ein psychosomatisches. Da ich alles andere als ein einfacher Patient war, war das eine naheliegende Diagnose.

"Vielleicht simuliert er ja auch." 

Die Monate zogen ins Land und ich kam langsam wieder zu Kräften, die Schulterschmerzen aber blieben hartnäckig an meiner Seite. Nach einigen weiteren Episoden mit meinem Magen (Magenblutung) gab man mir nach der sechsten Magenspiegelung und der der endlich erfolgten Diagnose "Magengeschwür" im Krankenhaus eine Tablette mit dem Wirkstoff Esomeprazol, ein Protonenpumpenhemmer, der vor allem bei der Bekämpfung von Magengeschwüren eingesetzt wird und der die Salzsäuresynthese im Magen hemmt. Nach zwei Tagen stellte ich plötzlich fest, dass meine Schulterschmerzen verschwunden waren, und sie sind es bis heute, wenn ich jeden Tag eine Tablette nehme. Auch das konnte ich damals nur schwer akzeptieren, denn erstens: woher kommen die Schulterschmerzen und warum sind sie so stark, dass ich kaum mehr denken kann, zweitens: warum helfen selbst Schmerzmittel auf Morphinbasis nicht und zum dritten: warum zum fickenden Fick helfen ausgerechnet Magentabletten bei Schulterschmerzen? Es kam, was kommen musste: ein Bonusmeilenprogramm durch die Arztpraxen Hessens: Orthopäden, Gastrologen, Heilpraktiker, Internisten, Osteopathen. Von "Zwerchfellbruch", über "Allergie" (stilsicher mit direkt ins Schulterblatt gespritzem Cortison behandelt) bis zu "Depression" war fast alles dabei, aber im Grunde zuckte jede und jeder nur mit den Schultern, bis es am Ende auch hier hieß: "Wenn die Tabletten helfen, ist's doch super."

Mittlerweile weiß ich, dass das Zwerchfell wenn auch nicht gebrochen, dann doch durch den Tumor und das Magengeschwür und dessen Vernarbungen in Mitleidenschaft gezogen wurde und womöglich mit dem oben Teil des Magens verwachsen ist. Immerhin gibt es eine direkte Nerven/Meridianverbindung des Zwerchfells zur Schulter und das würde auch die stärkeren Schmerzen nach dem Essen (also bei vollem Magen) erklären. Wie ich den Dreck allerdings wegbekomme, sodass ich die Pillen in die Tonne treten kann, weiß wieder kein Mensch.

Protonenpumpenhemmer und B12

Ich würde das Esomeprazol lieber gestern als heute wegbekommen, denn es steht zum einen in wenigstens indirektem Zusammenhang zu meinem Bluthochdruck und darüber hinaus für eine ganze Reihe anderer möglichen Risiken, die sich insbesondere bei einer Langzeiteinnahme zeigen. Hier schließt sich auch wieder der Kreis zu Vitamin B12:

"Das Ärzteteam um Jameson Lam und Douglas Corley aus Oakland wollte den Ursachen von Vitamin-B12-Mangel auf die Spur kommen. Zwölf Prozent der mehr als 25.000 Patienten, deren Vitaminspiegel zu niedrig waren, nahmen regelmäßig Säureblocker, in der Fachwelt als Protonenpumpenhemmer bezeichnet. "Wer die Mittel länger als zwei Jahre einnahm, erhöhte sein Risiko für Vitamin-B12-Mangel um 65 Prozent", sagt Corley. "Je höher die Dosis, desto höher das Risiko. (aus: http://www.sueddeutsche.de/gesundheit/nebenwirkung-von-saeureblockern-magenschutz-mit-schaden-1.1840788)

Oder etwas wissenschaftlicher:

"Die Ordination von Fibraten und PPI steigerten den nitrosativen Stress, die Laktazidose, die Vitamin-B12- und Vitamin-C-Defizite. Fünf Jahre nach Beginn der NSAR-Behandlung entwickelte sich klinisch das chronische ATP-Defizit, es musste in kurzen Intervallen gegessen werden. Die Refluxösophagitis war schon Hinweis auf eine gesteigerte intestinale NO-Synthese und einen Vitamin-B12-Mangel, der durch Hemmung der Salzsäuresynthese (Protonenpumpenhemmer) verstärkt wurde. NO hemmt die Pyruvatverwertung und die mitochondriale Atmungskette, so dass zwangsläufig nutritive Kohlenhydrate zu Fett metabolisiert wurden (Fettleber) [1, 2, 3]
Die 1998 einsetzenden „brennenden Füsse“ und die Blasenentleerungsstörungen (Miktion nur noch im Stehen und träufelnd bei fehlendem Miktionsdrang trotz voller Blase) waren schon Hinweis auf periphere und vegetative Polyneuropathien. Der exzessive B12-Mangel 2007 hatte seine Ursache im nitrosativen Stress, er war Wegbereiter für die neurologische Schädigung. Auch die Cholecystolithiasis war Folge des nitrosativen Stresses und nicht zufallsbedingt." (aus: http://www.dr-kuklinski.info/publikationen/nitrosativer-stress_2.pdf)

Durch die jahrelange Einnahme von Esomeprazol war mein B12 Spiegel somit vermutlich schon vor meiner Zeit als Vegetarier/Veganer im Keller und wurde durch die vegane Ernährung sicherlich nicht wenigstens mal ins Erdgeschoss gehievt. Ich supplementierte zwar B12 mit entsprechenden Präparaten, nachdem im Juni 2014 ein Mangel festgestellt wurde, über die Sinnhaftigkeit war ich mir aber angesichts des Esomeprazols nicht sicher.

Ich ließ im Dezember 2014 weitere Blutuntersuchungen vornehmen, nach eigener Recherche mit dem Schwerpunkt auf das Hormon Homocystein, die Vitamine B6 und B12 und Folsäure. Die übrigen wichtigen Werte wie Eisen, Magnesium, Zink, Selen, Kalium und Calcium nahm ich auch noch mit.

Homocystein könnte in dem ganzen Schlamassel mit den zu vielen Variablen eine zusätzliche und gewichtige Rolle spielen. Es handelt sich hier um eine Aminosäure, die ein Zwischenprodukt im Stoffwechsel ist und, bei erhöhter Konzentration im Blut, der Auslöser für zahlreiche, schwerwiegende Krankheiten sein kann - unter anderen schädigt Homocystein die Blutgefäße, es kann für Bluthochdruck *blinkblink* und außerdem schwere Herz/Lungenkrankheiten verantwortlich sein. Weil der Körper weiß, dass zuviel Homocystein nicht so richtig geil ist, reguliert er den Homocysteinspiegel im Blut mit Hilfe von Betain, Bitamin B6, Folsäure und Tadaaaa: Vitamin B12. Letzterem wird bei der Regulierung/Senkung des Homocystein am meisten Gewicht zugewiesen. Ergo die Annahme: fehlt Vitamin B12, kann der Körper das Homocystein nicht mehr ausreichend regulieren. So ließe sich mein Bluthochdruck erklären.

"Sie haben ein vierfach erhöhtes Mortalitätsrisiko."

Tatsächlich war mein Homocysteinwert stark erhöht. Das absurde an den übrigen Werten war indes, dass sich alle im Normbereich wiederfanden - auch das B12. Zugegebenermaßen am unteren Ende des Normbereichs, aber eben doch nicht so weit unten, als dass es zu einem Problem hätte kommen können. Eine Interpretation dieser Werte durch meine Ärzte fand nicht statt.

Die Idee

Ich begann nach dem Ergebnis der Blutuntersuchung wieder damit, Milch, Eier und Käse zu mir zu nehmen, in erster Linie als mittelfristig angelegten Versuch. Ich würde einige Monate wieder vegetarisch essen (Fleisch ist niemals mehr eine Option) und dann nochmal Blut abnehmen lassen. Das wird voraussichtlich jetzt im September geschehen und ich bin sehr gespannt, ob sich die Werte verändert haben. Rein logisch müsste das Homocystein nach unten gegangen sein, B6 und Folsäure weiter nach oben. Aber wie wird sich das B12 verhalten, vor allem unter Berücksichtigung des Risikos, dass das Esomeprazol meinen Darm schon so geschädigt hat, dass die Aufnahme von B12 signifikant gehemmt ist? Ich werde weiter darüber berichten.

Wie zu sehen und lesen ist, ist die Situation insgesamt nicht einfach und man tut sich zu keinem Zeitpunkt einen Gefallen damit, solche Themen auf die leichte Schulter zu nehmen. Das geht bei Sätzen wie "Du musst nur ein bisschen Radieschensprossen essen, dann geht das mit dem Magnesium schon." los, geht  über "Ich weiß, dass die Nebenwirkungsliste über drei Seiten geht, aber ich nehme die Tabletten auch und mir geht's prima." bis hin zu "Dann ist's eben vererbt." Die Ärzteschaft, die sich in meinem Fall nicht unbedingt mit Ruhm bekleckerte, muss ich etwas in Schutz nehmen, weil man nicht erwarten kann, dass jeder die Untiefen einer veganen Ernährung in Verbindung mit Esomeprazol und Bluthochdruck und Homocystein sofort aus dem Effeff weiß und kennt, aber ein bisschen mehr Motivation und nennen wir es ruhig: Wissbegierigkeit hätte ich mir schon gewünscht. Aber das ist eben auch die Crux des Gesundheitssystems: es gibt für alles Tabletten und in der Regel schmeißt man ein Packerl Pillen in das schwarze Loch namens Patient und meistens hilft's. Wenn es nicht hilft, wird es sehr schnell sehr einsam um einen herum. Und ich möchte betonen, dass die Option, das Internet zu befragen, soviel es mir nun bis hierhin geholfen hat, nicht immer eine gute ist - denn so viele übersichtlich Dachgeschossmöblierte es schon draußen in der Schlange beim REWE gibt, so viele gibt es auch im Internet. Man hat sogar den Eindruck: dort sind's noch mehr.


Bestes Beispiel ist ja gerade auch der Blog, den ihr gerade lest.


[officevokabular]I keep you posted.[/officevokabular]

Wetterläuten

WETTERLÄUTEN - WETTERLÄUTEN

"Das Wetterläuten war in früheren Zeiten ein Brauch, um Unwetter abzuwehren."

Unheilvoll. Dunkel. Bedrohlich und zerstörerisch. Mystisch. 

Wie mit Leben aufgeladen, autark und intelligent, auf der Suche. Unbarmherzig zieht der Sturm heran. Er holt sich Verbündete. Er sammelt sich seine Armee zum Überfall. Der Teufel hat es sich zur Bestrafung ausgedacht. Oder war es doch der liebe Gott?

"Bei einem drohenden Gewitter musste vom Pfarrer oder vom Mesner genau zum richtigen Zeitpunkt die Kirchenglocke geläutet werden, damit sich das Unwetter nicht über dem Ort entlud."

Der Pfarrer muss das Unheil genau beobachten. Er braucht ein exaktes Timing. Hin und hergerissen zwischen herannahender Apokalypse und trügerischer Ruhe. Jede Bewegung und jede Veränderung werden wahrgenommen. Abwehrmaßnahmen zwischen kraftvollem Auftürmen von Mut und fragiler Betonung der Ohnmacht. 

In Zeitlupe fließen Bilder und Klang vorbei, man sieht und hört fassungslos zu. 

"In zahlreichen Salzburger Gemeinden wurde der Brauch des Wetterläutens bis in die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts beibehalten."

Das Trio Werner Cee, Norbert Grossman und Eva Korn nimmt sich selbst eher als "musikalisches Konzept" als eine Band wahr. Ihre freien Improvisationen mit Gongs, Synthesizern, Lapsteel-Gitarren und Electronics sind zunächst abstrakt, sie entwickeln sich in der Kombination mit dem zu Grunde liegenden Konzept zur beweglichen Gestalt, wirken trostlos und phantasievoll zugleich. Sie sind aber vor allem konkreter Bestandteil der erzählten Geschichte und nicht getrennt von der Hoffnung, dem Glauben, der Angst und der Erleichterung. 

"Weitere Bräuche zum Abwehren von Unwettern waren das Aufstellen von Wetterkreuzen, das Anzünden von Wetterkerzen und die Anrufung bestimmter Wetterheiliger."

Was fehlt ist die Auflösung und damit die Distanz. Archaicher Aberglaube, gewiss - aber plötzlich ist die Gegenwart unscharf und die Vergangenheit wird erfahrbar - eben gerade, weil sich "Wetterläuten" derart intensiv mit ihr verbindet. Und dann ist der Punkt erreicht, an dem man mitleidet. Es ist doch das normalste der Welt, Wolken, Sturm und Regen mit Gottes Glocken (sic!) zu vertreiben. 

Halt du sie dumm - ich halt sie arm.

Erschienen auf Reue um Reue, 2014. 

Zitate von: http://www.salzburg.com/wiki/index.php/Wetterl%C3%A4uten

I'm A Loser

DORIS DUKE - I'M A LOSER

Vergessene Soulperle, Teil 331. Es sind schon verrückte Zeiten für Musikfreunde, und ich kann in dieser Hinsicht auch nicht sagen, dass meine Faszination für die versunkenen Schätze längst vergangener Zeiten einerseits und über die mittels findiger und rühriger Labels gesteuerten (Wieder)Veröffentlichungen dieser obskuren Musik andererseits über die Jahre kleiner geworden ist. 

Ich glaube, es sind die Geschichten um diese Art Musik, diese Platten und diese Musiker, die mich so magisch anziehen. Wie oft sprach ich mit Freund Simon über die großen Schallplattenarchive, über die in den letzten Jahren durchaus regelmäßig zu lesen war - wegen der Tragik ganz besonders unvergessen eine der größten Sammlungen der Welt von Paul Mawhinney:

 

oder die alle Dimensionen sprengende Sammlung des Brasilianers Zero Freitas, der tatsächlich im Jahr 2013 die Reste von Mawhinneys Sammlung aufkaufte und mit sage und schreibe acht Riesentrucks abholen ließ. 

Und wir sprachen darüber, dass jedes Album, jede Single, jeder Song, jeder Ton eine Geschichte hat: für all das haben Menschen ihr innerstes nach außen gekehrt, haben überlegt, komponiert, getextet, Instrumente gespielt  - sie haben sich um die Aufnahmen gekümmert, Produzenten haben ihre Visionen mit einfließen lassen, Künstler haben Artwork und Cover gemalt und gezeichnet, Fotografen haben Bilder geschossen, Plattenlabels, Vertriebe und Agenten sorgten sich um die Vermarktung. Das steht immer hinter jeder Musik, und das alleine ist oft Faszination genug. Mawhinney sagt es in dem oben verlinkten Video: über 80% dessen, was er in seinem Archiv führt, gab es nicht mal regulär zu kaufen - es war unbekannt und es ist möglicherweise bis heute unbekannt. Jetzt kann man sicher die Hände über dem Kopf zusammenschlagen und schockiert "Wie viel Musik das sein muss!" rufen. Wie viele Geschichten das sind können wir nicht mal erahnen. 

Es kann einem natürlich auch alles scheißegal sein.

Auch hinter "I'm A Loser" steht eine Geschichte. Die Geschichte einer Frau, die ihr Leben lang versuchte, mit ihrer Musik erfolgreich zu sein. Im Jahr 1945 geboren als Doris Curry in Georgia, nahm sie unter mehreren unterschiedlichen Namen Singles und Alben auf, produzierte Demos für und mit Motown Records, die bis heute unveröffentlicht blieben, war als Backgroundsängerin auf Nina Simones 1969 in Deutschland aufgenommenem "A Very Rare Evening"-Album zu hören. Und verschwand spätestens ab der letzten bekannten Single "I'll Make A Sweet Man (Out Of You)", 1981 auf dem Bostoner Beantown Label veröffentlicht, in der Versenkung. 

Ihr 1969 unter der Regie von Jerry 'Swamp Dogg' Williams Jr. inszeniertes "I'm A Loser" Album gilt heute unter vielen Genre- und Szenekennern (u.a. dem britischen Musikjournalisten Dave Godin, † 2004) als die beste Deep Soul Platte aller Zeiten. Im Vordergrund steht die große, einnehmende und überzeugende Soulstimme von Duke und die für das Jahr 1969 überraschend schwermütigen Texte über eine gebrochene Persönlichkeit, ihre Selbstaufgabe und ihre Unterdrückung. Keine happy Tanzmusik, fellows! Die Backingband agiert dafür bis auf wenige Ausnahmen eher zurückgezogen und liefert der Sängerin damit viel Freiraum. 

Und da ist sie wieder, meine Faszination. Weiß die Frau - sofern sie überhaupt noch lebt -, dass ihre mittlerweile 46 Jahre alte Platte wiederveröffentlicht wurde, damit ein paar unverbesserliche Musiknerds die Arme und die Herzen zum virtuellen Himmel erheben und der Internetgemeinde die Ohren darüber vollheulen, wie brilliant ihre Musik ist? 

Wie geht es ihr heute? Wie lebt sie? Wo lebt sie? Singt sie noch? 

Bevor es nun zu Bild-Wagneresk und damit unverzeihlich balla-balla wird: es heißt, "I'm A Loser" sollte in jeder guten Plattensammlung stehen. Wegen Geschichte. Und wegen Geschichten. 

Und vielleicht auch deshalb, damit man diese Geschichte weitererzählen kann. 

Original erschienen auf Canyon Records, 1969.

Re-Issue (diese Ausgabe) erschienen auf Kent Records, 2010.

Sonnenmilch

JAMIE XX - IN COLOUR

Talking about Sommerplatte 2015: nicht wenige haben das quasi-Debut des britischen Produzenten Jamie XX in dieser Hinsicht auf dem Zettel. Nun muss man immer ein bisschen aufpassen, mit welchen Wölfen man heult - die im vorangegangenen Text zu Goerge Fitzgeralds "Fading Love" LP erwähnte Platte von Richard Davis ("Details") wurde wie gesagt mal prominent in der Intro aufs goldene Schild gehievt - wozu "Details" nichts kann, aber ob ich das dann wirklich hören möchte, steht auf einem ganz anderen Blatt. 

Mit Jamie XX verhält es sich ähnlich: der durch seine Zusammenarbeit mit Gil Scott-Heron positiv auffällig gewordene Jungstar zieht eine lange Reihe jugendlicher, pubertierender und entsprechend alkoholisierter Fans hinter sich her, die ihm nicht erst seit gestern hoffnungslos ergeben sind, auf Twitter emotionale Kalendersprüche aus dem Emo-Waisenhaus Sierksdorf-West aufsagen und "Kritik" für eine neue Biermixgetränk-Marke halten. Trotz aller Vorbehalte bietet "In Colour" allerdings tatsächlich überraschend tiefgehende und ganz besonders dem Artwork entsprechende farbenfrohe Sommermusik zwischen House, Pop und Soulmusik, die manchmal so grell positiv ist, dass man beim Hören fast die Augen zusammenpetzen muss, damit es gerade noch so aushaltbar ist. 

Ich bin mittlerweile Lichtjahre vom Lebensgefühl jener Generation entfernt, die die Zielgruppe dieses Albums sein dürfte, aber "In Colour" vermittelt mir einen Geschmack dessen, welches Leben im Jahr 2015 zu führen ist, wenn einem die Welt gerade noch frisch zu Füßen liegt: Man twittert gefühlsduseligen Schwachsinn und schaut sich Beauty-Tutorials von und mit durch und durch widerwärtigen Menschen auf Youtube an. 

Hach! Watt schön! Und wer ohne Midlife Crisis ist, der werfe die erste Faith No More Maxi-CD (1993).

Erschienen auf Yung Turks / XL Recordings, 2015.

P.S.: Auch wenn sich das Coverartwork in der Größe einer Schallplatte echt gut macht und das Album außerdem im CD-Format beiliegt, muss man strenggenommen von einem Kauf des Vinyls abraten: die LP ist "so fucking leise" (Blank When Zero) und mies gemastert, dass ich den Lautstärkeregler tatsächlich bis zum Anschlag (!) aufreißen muss - und trotzdem fehlt dem Sound dann immer noch jede Dynamik und jeder Elan. Ich habe Bootlegs, die besser klingen.

War On Women & Blank When Zero - 20.8.2015, Wiesbaden

MORGEN! IHR FICKER! 

*hibbel*

Wir freuen uns. Und wir haben unsere LP dabei. Und wir freuen uns. 

Painkiller

GEORGE FITZGERALD - FADING LOVE

Nach der ungewöhnlichen Jam City Scheibe "Dream A Garden" haben wir mit George Fitzgerald den nächsten Kandidaten für eine von Clubgängern und Fans ausgeteilte Backpfeifenpolka. Fitzgerald wollte sich bewusst von seinen Dancefloorroots entfernen, hat mit "Fading Love" genau das geschafft und sich einen durchkomponierten, elektronischen Pop-House-Entwurf ausgedacht. 

Melancholisch, bittersüß und sonnendurchflutet warten hier die schönsten Songs des Jahres auf dich, stilistisch gar nicht so irre weit vom trotz damaliger Empfehlung der Unterbelichtetenpostille Intro überraschenderweise immer noch anhörbaren Richard Davis Album "Details" entfernt, dafür aber mit mehr Sonne im Popo. Die Fangemeinde spaltet sich derweil in zwei Lager: die einen beschweren sich über langweilige Dürre, weil man zu "Fading Love" mit XTC und Meth nicht zwingend weiterkommt, die anderen lieben die Platte wegen ihrer unaufgeregten, gleichzeitig lebhaften und darüber hinaus romantischen Stimmung. 

Herr und Frau (!) Dreikommaviernull haben "Fading Love" zwischenzeitlich zur Sommerplatte 2015 gekürt. Ganz bestimmt eines der besten Alben des Jahres.

Erschienen auf Domino Records, 2015.

Sommer, Spaß und LSD

PAQUA - AKALIKO

Schwer zu sagen, ob mir in den vergangenen Jahren ein Album untergekommen ist,  das eine ähnliche große Lücke zwischen weitgehender Obskurität auf der einen und fanatischer Begeisterung bei Eingeweihten auf der anderen Seite vorweisen kann. Das Debutalbum dieses kontinentübergreifenden Projekts von Paul Murphy (u.a Bison und Labelchef von Claremont 56), Quine Luke und Patrick Wood (Phenomenal Handclap Band), Patrick Dawes (Groove Armada) und Alex Searle stand bei mir schon seit Veröffentlichung im Mai 2014 auf der Warteliste, und während ich noch darüber sinnierte, ob ich mir wirklich so blind und taub die Doppel-LP für 25 Schleifen oder doch zunächst eher den Download für ein Drittel rauslassen soll, hatte der bekannte und beliebte Stuttgarter Plattenladenmann Tommes "Akaliko" schon in seiner Top 10 Liste für das Jahr 2014 eingetragen. Nun, ein gutes Jahr später, ist die LP nur noch schwer (= im Tausch mit viel zu hohen Versandkosten) erhältlich, was immerhin die Entscheidung einfacher machte. 

Wer "Akaliko" kennt, ist automatisch bekehrt. 

Ich lebe jetzt seit mehreren Wochen mit dem Download von "Akaliko" und weiß jetzt: ich hätte es viel früher tun sollen. Andererseits passt die Platte zu den aktuellen Saharatemperaturen wie der berühmte Arsch auf den noch berühmteren Eimer, denn ein besseres Timing ist kaum vorstellbar. "Akaliko", übrigens das buddhistische Wort für "zeitlos", ist ein ein mit positiv geladenen Goldionen vollgestopfter, fluffiger Fliegenpilz-Psychedelic-Teig, ein bekifft-bedudelter Sonnenanbeterrock mit Groove, Funk, Groove, Funk und Groove. Und Funk. Es ist sowas wie der endgültige Soundtrack zum Leben von Jeffrey Lebowski zwischen frisch gemixten White Russians und frisch gedrehten Joints in der Badewanne bei 35°C Außen- und Innentemperatur. Zwischen Strohhut, einem aus dem halb aufgeknöpften Hemd herausquellenden Brusthaartoupet und einem 8-Tage-Bart. Nicht im Sinne von einem, der den unteren Teil von Laternenmasten im Frankfuert Gallusviertel ableckt, sondern schon stilvoll und echt, kauzig, bisschen verrückt. 

Die Herzallerliebste bemerkt dagegen eine gewisse Cheesiness, die sich unter dem entspannten Liebesgetümmel tatsächlich desöfteren zeigt, und es damit strenggenommen gar nicht mehr so cool macht, aber zumindest meine diesbezüglichen Detektoren sind mit einem Blick auf die eigene Plattensammlung sowieso nicht überdurchschnnittlich gut ausgebildet. Heißt: ich finde das gar nicht schlimm. "Akaliko" ist unironische, sehr sonnige und unbeschwerte Musik mit einem über den Rücken getragenen Sack voll mit Glücklichmachern aus der Welt der Mykologie. Für den Tiefgang und das bewegte Leben. Alles rein natürlich. Natürlich.

Erschienen auf Claremont 56, 2014.

Voices From The Maxxi

VOICES FROM THE LAKE - LIVE AT MAXXI

Mit dem nahezu vollständigen Ausschluss von Dub Techno und folgerichtig bedeutend weniger Beats als bislang vom italienischen DJ-Duo Voices From The Lake gewohnt, ist "Live At MAXXI" beim Editions Mego Label endgültig besser aufgehoben als jemals zuvor. 

Der Mitschnitt des im Oktober 2014 während der “Open Museum Open City"-Ausstellung in Rom aufgeführten Sets greift zwar weiterhin die bekannten aquatischen Motive der beiden Produzenten auf, verzichtet aber bis auf eine kurz vorbeihuschende Episode komplett auf strukturgebende Kopfnickwerkzeuge. Immer noch brilliant: der hypnotische Fluss der Kompositionen und ihre geschmackvolle Auswahl der Sounds; besonders letztere stechen aus dem mittlerweile unüberschaubaren Klumpen der Dark Ambient Gemeinde heraus und liefern bei aller kunstvoll arrangierter Abstraktion eine Idee von Licht und Wärme. 

Der über die gesamte Spielzeit angesteuerte und inszenierte Höhepunkt "Max" belegt dies eindrucksvoll. 

"Live At Maxxi" ist aktuell auch via Bandcamp auf jede erdenkliche Art zu konsumieren, das Sahnehäubchen aus Vinyl erscheint am 22.8.2015. 

Erschienen auf Editions Mego, 2015.

Schleier

VALET - NATURE

Valet ist zurück. Und Honey Owens ist damit ebenfalls zurück. Sieben Jahre nach ihrem Debutalbum "Blood Is Clean", einer zwischenzeitlichen Fokussierung auf elektronische Clubsounds mit Ihrem Partner Rafael Fauria unter dem Namen Miracles Club und der Geburt ihres ersten Kindes im Jahr 2013, ist "Nature" das erste Lebenszeichen der Künstlerin aus Portland seit geraumer Zeit.

"Nature" ist nicht nur deshalb eine Überraschung. Valets Musik war immer an mehr oder minder klassischem Songwriting orientiert, dabei aber abstrakt, zerfasert und experimentell - und dieses sich daraus entwickelnde Spannungsfeld passte zu Kranky Records wie die Blüte auf die Rose. "Blood Is Clean" war eine eindringliche Seance aus Songwriter-Noise und Indie-Avantgarde, intensiv glühend, aber immer mit gebührender Distanz zum Gegenüber. Sirenenhaft lockend, und doch fast ängstlich. Was gut war, weil damit die süßliche Anbiederung der übrigen Indiegemeinde fehlte. 

"Nature" ist indes von einem anderen Kaliber und es scheint, als hätte das Team Owens, Fauria und der Multiinstrumentalist Mark Burdon die Sounds und die Ideen der Zwischenstation vom Miracles Club einfließen lassen. "Nature" ist beeinflusst vom Spacerock und der Shoegazerszene der späten achtziger und frühen neunziger Jahre, ein dicht inszeniertes, aber dabei überaus melodisches, wirklich songorientiertes Album mit verhallt-schwebenden Gitarrenwänden, üppigen Sythieflächen, und einer Honey Owens, die aus den tiefsten Höhlen und den höchsten Himmelsphären zugleich monotone Gesangslinien aus frischer Zuckerwatte zusammenrührt. In meinem Herzen klingt das sehr versöhnlich, euphorisch wie bittersüß - und nur ein ganz kleines bisschen nach dem Ritt auf einem rosa Elefanten und einem Schluck aus einer verwunschenen Kokosnuss (mit einem kleinen Schuss LSD drin). 

Erschienen auf Kranky, 2015.