Wir unterbrechen unsere Übertragung für eine wichtige Mitteilung.
Blitz a-t vom 25.8.2009:"Schweinegrippe: Alles im Griff? (I)"
Blitz a-t vom 25.9.2009:"Schweinegrippe: Alles im Griff? (II)"
Und wie es der Zufall will, wurde mir just heute Morgen dieses Video von Youtube empfohlen:
Wie das mit den beiden obigen Dokumenten in Zusammenhang steht? Ich habe nicht die leiseste Ahnung. Wirklich.
Ein wunderbar rohes Stück blutigen Hi-Speed-Thrash Metals aus Kanada mit einer bewährt brutalen Produktion von the one and fucking only Scott Burns aus den Morrissound Studios in Tampa, Florida. Ich dachte nicht, dass ich tatsächlich nochmal ein derart obskures Juwel hören darf, bei denen Burns seine Finger im Spiel hatte, aber "Within Suffering" ist ein solch seltener Fall. Und er leistete auch hier selbstverständlich ganze Arbeit. Overthrow liefern dem Mann allerdings auch eine hervorragende Vorlage: an extreme Sadus-Bolzereien erinnerndes Gebretter mit weitgehend simplen, aber ungemein effektiven Riffs, eine höllische Geschwindigkeit und aggressive, rauhe Schreivocals von Nick Sagias, die "Within Suffering" in die Nähe der ersten Demolition Hammer-Großtat "Tortured Existence" und damit folgerichtig in das Grenzgebiet von Thrash und Death Metal rücken. Die Unbekümmertheit des Quartetts und die schiere Raserei der Musik sind neben der Produktion die beiden größten Pluspunkte dieses Albums. Im Dezember 2007 wurde "Within Suffering" von NHR Records neu aufgelegt und zusätzlich mit dem "Bodily Domination"-Demo aus dem Jahr 1989 versehen. Da die Originalversion auf Epidemic Records nur sehr schwer auf zu treiben ist, eine durchaus lohnenswerte Anschaffung.
"Within Suffering" von Overthrow ist 1990 auf Epidemic Records erschienen.
Britischer Thrash Metal konnte qualitativ nur selten vollends überzeugen und fristete damals wie heute ein Außenseiterdasein. Die bekanntesten (und besten) Vertreter waren sicherlich Onslaught, Sabbat und die immer wieder unterbewerteten Xentrix, die zweite Reihe mit Formationen wie Slammer, Acid Reign oder D.A.M hatte außerhalb Britanniens nur wenig zu melden. Das hätte alles anders laufen können, wenn die ursprünglich aus der Punk und Hardcore-Szene stammenden Hellbastard etwas mehr Glück gehabt hätten und stilistisch etwas berechenbarer gewesen wären. Ihr drittes Album "Natural Order" aus dem Jahr 1990 ist mit seinem reinrassigen, an Bay Area-Großmeister angelehnten Thrash Metal sozusagen das Außreißer-Album der Band, die ansonsten einen weiten Bogen um diesen Sound machte. Ironischerweise handelt es sich zumindest in meinen Ohren bei diesem "Betriebsunfall" um eines der fünf geilsten britischen Thrash-Scheiben aller Zeiten, und ich war bereits beim ersten Durchlauf völlig baff, wie es mir möglich war, dieses wirklich überdurchschnittliche Album jahrelang zu übersehen. Die Gitarrenarbeit ist insbesondere hinsichtlich der Soli locker reif für die Champions League, im Rhythmusbereich regiert ein nachhaltiges, stringentes Riffing mit vielen kleinen Details und einem überfließenden Ideenreichtum, hinzu kommt eine absolute state-of-the-art-Produktion, die umso mehr wiegt, wenn man das Aufnahmejahr bedenkt. "Natural Order" ist in seiner ganzen Ausstrahlung eine fast perfekte Symbiose aus erfrischender Schlichtheit und souveräner Raffinesse.
Hellbastard haben sich 2007 reformiert und spielen heute als "legendary metal crust punks" sogar US-Touren. Man lernt nie aus.
"Natural Order" von Hellbastard ist 1990 auf Earache erschienen.
Zu einer kleinen Überraschung hat sich diese kleine Platte entwickelt. Ursprüglich 1988 aufgenommen, aber erst 1991 veröffentlicht, teilen auch Acridity das Schicksal vieler Bands aus der fünften oder sechsten Reihe, die mit ihrer Musik ein paar Jahre zu spät dran waren und in der Folge keine Aufmerksamkeit mehr erhielten. "For Freedom I Cry" ist ein unerwartet intensives Album, das etwas unter seiner zu leisen und dünnen Produktion leidet, aber einige bärenstarke Thrasher mit dichtem Riffing und "...And Justice For All"- Melodieläufen bietet. Selbst der Gesang von Darrin Carroll erinnert hier und da entfernt an James Hetfield. Zu Beginn meiner Auseinandersetzung mit "For Freedom I Cry" hätte ich das Album nicht unbedingt als besonders herausragend bezeichnet, selbst wenn ich den Enthusiasmus und den Charme von Acridity schon früh nur schwerlich übergehen konnte. Nach einer Handvoll Durchläufen jedoch wurde ich angesichts großartiger Songspassagen und gar nicht mal unoriginellen Riffs immer öfter hellhörig. Mit einer besseren Produktion und dem tatsächlichen Release im Jahr 1988 hätte die Band aus dem texanischen Corpus Christi sicherlich mehr reißen können.
Im Zuge des Thrash Revivals mit jungen Bands wie Municipal Waste oder Fueled By Fire könnten die Christen-Thrasher von The Crucified heute etwas mehr Aufmerksamkeit erhalten als zur Zeit Ihres Bestehens. Die Wiederveröffentlichung ihrer beiden Alben (neben dem selbstbetitelten Debut erschien zwei Jahre später der Nachfolger "The Pillars Of Humanity") in einer Box mit unveröffentlichtem Material und beiliegender Live-DVD ist sicherlich ein guter Anreiz, sich im Jahr 2009 mit dem Quintett erstmals zu beschäftigen. Zumal ihr Sound heute durchaus wieder gefragt ist: The Crucified stürmen auf ihrem Debut durch vierzehn rasende Thrashcore-Attacken, die etwas weniger chaotisch als die Songfetzen von Cryptic Slaughter sind, qualitativ aber locker auf D.R.I. oder auch Acrophet(!!!)-Niveau liegen. Einzig Sänger Mark Salomon fällt mit seinem seltsam komprimiert klingenden Organ manchmal etwas ab, was durch die Masse an stürmischen Riffs mit Slayer-Touch aber locker wettgemacht wird. Und auch wenn der Sound durchaus mehr Schmiss und weniger Vakuum vertragen könnte: es riecht nach Schweiß, Moshpits und gebrochenen Nasen. Gott mit Dir!
"The Crucified" ist 1989 auf Tooth And Nail Records erschienen.
- Musik, die keine Sau interessierte
Früher oder später musste es ja so kommen. Ich oute mich hiermit als Anhänger des klassischen Thrash Metal aus der Zeit von 1985 bis 1993 und bekenne, dass meine Faszination für diesen Stil bis heute ungebrochen ist. Genau genommen befindet sie sich seit etwa drei Jahren sogar auf dem Höhepunkt, was sich besonders darin äußert, dass ich meine Thrash-Sammlung seit jener Zeit "sukzessive" (Bruno Labbadia) ausbaue und mit einiger "Wonne" (Veronica Ferres) tief in Internet-Archiven und längst vergessenen Labelkatalogen wühle, um übersehene oder aus dem Gedächtnis gestrichene Perlen dieses Genres zu entdecken. Das führt ab und an zwangsläufig zu kleinen Dummheiten, wenn es etwas kostspieliger wird als erwartet, aber der daraus gewonnene Spaß ist sowieso unbezahlbar.
Für die nächsten Tage gilt jedoch: die Top Ten der vergessenen Thrash-Perlen! Live! In Farbe!
Nobody really gives a damn, but me!
Mokira - Persona
Die ersten Minuten von "Persona" kommen meiner sprichwörtlichen Traumvorstellung von Ambient ziemlich nahe und lassen sich in Teilen durchaus mit Vladislav Delays "Whistleblower" aus dem Jahr 2007 vergleichen. Auch wenn Andreas Tilliander auf das erste Hören weniger Kratzer und Risse einsetzt und erst mit zunehmender Spieldauer etwas lebhafter wird, sind es in erster Linie die warmen Sounds, die mich wie Wellen langsam und sanft umspülen und in dieser Hinsicht an Delays Meisterwerk erinnern. Das klingt toll, und ich hätte absolut nichts dagegen, mit diesem Sound auf den Ohren entweder ein zu schlafen, oder ihn tagelang in Endlosschleife um mich herum zu haben. Das ist gar so einschmeichelnd und im besten Sinne einlullend, dass ich erst nach Minuten bemerke, wie sich die Platte verändert hat. Da ist plötzlich ein Bass, und ich weiß auch nach mehreren Durchläufen ums Verrecken nicht, woher der gekommen ist. Er spielt ein wenig mit einem Rhythmus, gibt einen kleinen Beat vor. "Persona" wird an dieser Stelle zum ersten Mal ein Stückchen konkreter und gibt eine schemenhafte Richtung vor.
Tilliander bleibt bei dieser Richtung und weitet sie in den folgenden Tracks noch aus. Der pulsierende Unterwasser-Bass gibt den Herzschlag zu sirrenden Obertönen und geloopten Feedbacks, eine Kombination, die "Persona" überraschend hell und entmystifiziert erscheinen lässt. Und spätestens mit dem klinischen "Oscillations And Tremolos" ist jeder Schleier, jede Dunkelheit und jeder Zweifel verschwunden. Ironischerweise passiert das mit einem Stück, der angesichts seines im Vergleich eher schroffen Klangs den Schleier über die ganze Platte werfen könnte - und es letztendlich auch tut. Hier verzettelt sich Tilliander für meinen Geschmack ein wenig, "Persona" wirkt nicht mehr schlüssig und das abschließende "Invitation To Love" geistert wie eine halbfertige und nicht ernstgemeinte Remeniszenz an die Anfangsminuten umher, nur um irgendwie noch die Kurve zu kriegen.
Ich lege "Persona" nichtsdestotrotz immer noch sehr gerne auf.
"Persona" von Mokira ist 2009 auf Type erschienen.
The Life And Times - Tragic Boogie
Auch wenn ich nun schon mehrfach auf dieses wundersame Trio aus Kansas aufmerksam machte: ich könnt' schon wieder. Und mit Verlaub: ich tu's auch schon wieder. Nur kurz immerhin, aber ich kann nicht anders.
"Tragic Boogie" ist Musik aus einer anderen Zeit. Ins Musikjournalisten-Gequalle übersetzt hieße das wohl sowas wie "Sie stehen über der Zeit". Aber wer will sowas schon lesen? Sie? Ich nicht. Andreas "Kanzler" Kohl vom Exile On Mainstream-Label jedenfalls frohlockte neulich über das Jesus Lizard-Konzert in Berlin "Solche Bands werden heute einfach nicht mehr gebaut.", und ich könnte dasselbe über The Life And Times sagen. Ihre komplette Herangehensweise an ihren mit einiger Dramatik aufgeputschten Indierock ist getränkt mit 80er- und 90er-Jahre-Ästhetik: komplex, melancholisch, verweht. Dass das verwehte Element auch daher rührt, dass der Sound nicht zu knapp Volumen mit sich herumträgt und sich gefühlte 180 Gitarrenspuren die Klinke in die Hand geben, bon. Aber sie vergessen den Song dahinter nicht. Diese musikalischen, ich sag's jetzt einfach mal, weil's halt so doll richtig ist: Meilensteine schälen sich ganz zielsicher aus dem dichtesten Geknäuel empor und präsentieren sich besonders auf der komplett anbetungswürdigen B-Seite mit der Strahlkraft ganzer Säuglingsstationen. Ein behutsamer Aufbau, der den Weg als Ziel definiert, der sich gar nicht weiter aufblähen muss, weil die Stimmung es sowieso richten wird. Dann schlängelt sich "The Lucid Dream" eben mal minutenlang in einer rotglühenden Lavazunge unter der Erde entlang. Und Dir bleibt nichts anderes über, als bei 'ner Tasse Tee (ich weiß, es ist furchtbar klischeehaft, aber da müssen wir jetzt "gemeinsam"(A.Merkel) durch) die Augen zu schließen und - ja mein Gott, lass' es Dir halt gut gehen.
"Tragic Boogie" von The Life And Times ist 2009 auf Hawthorne Street Records erschienen.
Spain - The Blue Moods Of Spain
Ein kleines Schmuckstück aus der Indiewelt: Josh Hadens Spain-Debut "The Blue Moods Of Spain" aus dem Jahr 1995 findet sich seit einigen Wochen regelmäßig im Player wieder. Warum also nicht ein paar Zeilen darüber bloggen, hm? Frage ich Sie!
Der Sohn des Jazz-Bassisten Charlie Haden (u.a. Keith Jarrett, Ornette Coleman) hat hier eine neun Songs umfassende Sammlung von dunklen, melancholischen Schleichfetzen aufgenommen, die zur großen Überraschung eigentlich in jeder meiner Lebenslagen funktionieren. Vor allem - riesige Überraschung - zur Nacht jedoch entfalten sich die sehr intimen Aufnahmen vollständig: eine angenehme, sanft dahinfließende Welle von Wohlklang, optional eine große Wolke Prozac, auf der man sich nackt und in Butterschmalz eingerieben verlustiert, vorzugsweise mit adäquatem Sexualpartner. Grob gesagt: Fickmusik für Suchtgestörte.
Nur die weniger gutgelaunten würden mit Begriffen wie "Monoton, öde und sacklangweilig" herumprotzen, aber die hören sowieso alle nur Onkelz und Wahlkampfreden von Angela Merkel und sind somit zu vernachlässigen. Wir Genießer vom Fach (Rumkugel, Sahne-Leberwurst, vermoderte Kniekehlen) indes kochen uns nachts um 3:00 Uhr nochmal 'ne schöne Kanne Stechapfeltee und starren wie in Stahlbeton eingesaugt in den mit Lack übergossenen Sternenhimmel, während die meist überlangen Tracks sich mit uns in die Lüfte schwabbern. Die beiden Highlights "World Of Blue", mit gerade mal vierzehn Minuten ein echter Smash-Hit, und das sogar von Johnny Cash gecoverte "Spiritual" (nicht, dass es ein Qualitätsmerkmal wäre, von Johnny Cash gecovert zu werden, aber ich habe noch 'ne Klammerbemerkung gebraucht und außerdem genug Nihilismus oder weiß ich was in mir, hier an dieser Stelle zu staten, dass keine Sau, also wirklich gar keine, irgendetwas von Johnny Cash hören, geschweige denn mögen muss, wüähä), reichen im Grunde für einen Rundflug völlig aus, das restliche Material ist schmückendes Beiwerk, das erst bei der Gesamtbetrachtung eine Rolle spielt. Die Platte ist furchtbar stimmig, die Songs hervorragend arrangiert, und es war 1995 sicherlich alles andere als "in", eine derart ruhig-sedierte Musik auf einen Markt zu hauen, der mit Alternative Rock und Crossover-Pissflitschen - natürlich nenne ich keine Namen, ich bin schließlich ein seriöser Blogger, der für Vodafone wirbt! - überfüllt war. Auch heute noch gewinnt "The Blue Moods Of Spain" genau aus dieser Haltung heraus sein Alleinstellungsmerkmal (OHO!) und seine Faszination (AHA!)
Eine kleine Platte mit großer Wirkung (TSEHE!).
"The Blue Moods Of Spain" von Spain ist 1995 auf Restless Records erschienen.
Wer ein wenig Lust auf neue Musik hat, wird sich mit diesem Blogeintrag etwas autoben können.
Der ganze Downloadkack kann mir zwar grundsätzlich mal schön den Hoppel ausblasen, aber zum Entdecken der nächsten Sensation, deren Platten man sich dann mit desaströser Umweltbilanz aus Malaysia oder der Antarktis zuschicken lässt, ist es dann doch ganz hübsch.
Das kanadische Indielabel Arts & Crafts bietet einen Labelsampler mit unveröffentlichten Songs ihrer Bands zum kostenlosen Download an. Hier zuschlagen --> Arts & Crafts
Und auch No Idea Records haben einen "Pretend Record"-Sampler 'rausgehauen --> No Idea Records
Gefunden auf yakyaks "Reeling Sichern"
Now Playing, übrigens: Hard-Ons - Yummy *schwelg*
Jackie McLean - 'Bout Soul
Es kostete mich einigen Schweiß - und ganz nebenbei auch noch ein paar Euros: Jackie McLeans "'Bout Soul"-Album wurde bisher noch nicht im Rahmen der Rudy van Gelder-Re-Issue-Serie wiederveröffentlicht, sodass ich auf einen LP-Import aus den USA angewiesen war. Und wo ich schonmal die amerikanische Wirtschaft ankurbeln sollte - der Dow Jones stieg tatsächlich am Tag meiner Überweisung um exakte 3,2% - dachte sich der Weltgeist: dann soll auch der deutsche Zoll noch sein Glück auf dem Rücken meines Kontos finden. Und zack, nochmals herzlichen Dank dafür. Ich nehme übrigens ab sofort Wetten hinsichtlich des Release-Datums der dann für 8,99 € feilgebotenen CD-Wiederveröffentlichung entgegen, es kann sich jetzt wirklich nur noch um Tage handeln.
Genug genörgelt. "'Bout Soul", aufgenommen in den den van Gelder-Studios am 8.September 1967, ist die vorletzte Session McLeans für das Blue Note Label, bevor er die Company nach der fantastischen "Demon's Dance" vom 22.Dezember desselben Jahres verließ.
McLean begann schon in den frühen sechziger Jahren damit, sich in freien Gefilden um zuschauen, wohl unter dem Einfluss von Coleman einerseits (mit dem er auch später noch die "New And Old Gospel"-Session spielen sollte) und seiner damaligen Line-Ups andererseits. Besonders seine Arbeiten mit dem auf diesem Blog schon mehrfach erwähnten Posaunisten Grachan Moncur III - und hier vor allem in Kombination mit Bobby Hutcherson und Tony Williams - hatten in erster Linie hinsichtlich der Strukturen und Stimmungen die Nase in vielfacher Weise vorne, beziehungsweise oben. In diesem Zusammenhang sei auch auf die vor kurzem wiederveröffentlichte Aufnahme "One Step Beyond" aus dem Jahr 1963 hingewiesen, auf der McLean mit ebenjener Besetzung (am Bass spielt Eddie Khan) der Zeit schon meilenweit vorausgeeilt erscheint. Eine zähe, in manchen Passagen förmlich auseinanderfallende Platte, die mindestens so rätselhaft flackert wie "'Bout Soul". Auch hier findet man alte Bekannte: Moncur ist dabei, dazu gibt es den großartigen Woody Shaw an der Trompete, Lamont Johnson am Piano, Scott Holt am Bass und den unvergleichlichen Rashied Ali an den Drums. Es wäre sicher spannend zu erfahren, ob McLean besonders durch Alis Arbeiten mit Coltrane auf dessen späteren Alben auf den Drummer aufmerksam wurde. In den Linernotes lässt sich Jackie lediglich zu einem "[Ali is] especially interested in immediate improvisation and that's why he was perfect for that date. He can let himself go and can be continually inventive." hinreißen.
Das Album hat auf mich eine mystische, kaum greifbare Faszination. Dabei ist "kaum greifbar" durchaus wörtlich zu nehmen: das Sextett ist irrsinnig schnell, nicht nur in seinen Sprüngen und Brüchen, sondern auch in den wendigen Themen, in seinen Andeutungen und Umrissen. So schnell, dass die Stücke wie vom Teufel getrieben an mir vorbei flitzen. Eine zerfledderte Grachan Moncur-Komposition eröffnet den Reigen, und "Soul" ist ein immer wieder von Barbara Simmons Gedichtrezitation diagonal durchkreuztes Stück Soul-Free-Jazz. Im Thema und im Klang durchaus Moncur-typisch in der Tradition verwurzelt, geht es aber hinsichtlich der Struktur und des gesamten Arrangements sogar weit über das hinaus, was ich "frei" nennen würde. Das Stück macht mich an schwachen Tagen fast wahnsinnig: es swingt an den unmöglichsten Stellen, es bricht abrupt ab, meist just in den Momenten, in denen man der Illusion erlegen ist, einen kleinen Strohhalm ergattert zu haben. Dazwischen jauchzt Simmons ihr eigens für Jackie McLean geschriebenes Gedicht und geht dabei immer wieder schöne Verbindungen und Ausbrüche mit der Musik ein.
Die beiden folgenden Tunes "Conversion Point" (von McLean) und "Big Ben's Voice" (von Lament Johnson) haben sich über die letzten Monate zu meinen Favoriten entwickelt. Vor allem erstgenanntes, laut Jackie der Ursprung für ihre hier praktizierte Art der Improvisation, ist für mich tatsächlich eine Art Blaupause für seine Musik in den Sechzigern: frei und wild, immer auf der Suche, niemals stillstehend, immer weiter dei energetischen und tonalen Grenzen auslotend, verflixt schnell und sehr einig: wie ein Zirkel, der alle Musiker umschließt, der ihnen Sicherheit und Freude schenkt. Aber auch die Lament Johnson-Kompositionen (es folgt später noch sein "Erdu") und Scotty Hills Tribut an Nicky Hill, einen Saxofonisten aus Chicago, und John Coltrane, der nur gut sechs Wochen vor den Aufnahmen verstarb, das balladeske "Dear Nick, Dear John", fügen sich nahtlos in die gebündelte Aura dieses Albums ein. Und ich muss an dieser Stelle unbedingt nochmal Rashied Ali erwähnen: was macht der Mann da eigentlich mit seiner Bassdrum? Die Fußmaschine muss nach den Aufnahmen geglüht haben...
Es ist oft die Rede davon, dass man sich der Musik auf "'Bout Soul" öffnen müsse, um sie an sich heran zu lassen. Ich glaube, ich kann das bestätigen. Es fällt nicht unbedingt leicht, eine Verbindung zu ihren Songs und ihrem Ansatz zu finden, dafür sind beide Elemente schlicht zu vielschichtig, zu unkonventionell. Ich kam dahinter, als ich versuchte, hinter die Musik zu blicken, die Vision zu sehen, die Verbundenheit der Musiker zu spüren und zuletzt als ich mich ihnen einfach ergab: ich will das jetzt nicht mehr ausdiskutieren...trampelt bitte einfach nur über mich drüber, 's tritt sich schon fest.
"'Bout Soul" von Jackie McLean ist 1967 auf Blue Note Records erschienen.
